Reseña: El Gran Gatsby (2013).

No me cabe la menor duda: todos tenemos nuestras manías o costumbres que buscamos mantener a toda costa sin importar las circunstancias o incluso, el qué dirán. Por ejemplo yo soy muy asiduo a leer novelas clásicas de la literatura de Estados Unidos durante el mes de septiembre cada año. Dicha afición nació como contrapeso al tradicional bombardeo que se da durante el presente mes conmemorativo a las fiestas patrias aquí en México. Pero sobre todo porque fue durante este mes que, sin proponérmelo descubrí la inmortal novela de F. Scott Fitzgerald, El Gran Gatsby. Novela que me atrapó desde la primera vez que la leí y que además procuro releer siempre por estas fechas.

Sin embargo el presente año tenía compromisos previamente adquiridos con otros autores (Steinbeck, Hemingway) así que opté por darle una oportunidad a la adaptación que del clásico de Fitzgerald dirigió Baz Luhrmann en 2013 (con el riesgo que conlleva el ver una adaptación en la pantalla de plata de nuestros libros favoritos). 

El Gran Gatsby.

Sinopsis: Es el año de 1922, época de gran crecimiento económico misma que busca aprovechar el joven Nick Carraway por lo que se traslada a la ciudad de Nueva York buscando trabajo como vendedor de bonos. Carraway renta una pequeña casa en medio de grandes mansiones frente a la playa en el ficticio pueblo de West Egg donde pronto conoce a Jay Gatsby, su excéntrico vecino propietario de una enorme mansión donde cada fin de semana se llevan a cabo las más grandes y extravagantes fiestas.

Pero no todos aprecian a Gatsby ya que la alta sociedad neoyorquina lo considera como un advenedizo, un nuevo rico cuya fortuna tiene orígenes cuestionables y las fiestas que ofrece son comidilla de los tabloides por todas las personalidades de la política, el mundo del espectáculo y hasta del crimen que las frecuentan. A pesar de todo lo anterior, Carraway y Gatsby entablan una sólida amistad al tiempo que el joven vendedor de bonos va adentrándose en el mundo de Jay Gatsby: quién es realmente, el origen de su fortuna y hasta el motivo detrás de sus multitudinarias fiestas.

Calificación: 6 puntos distribuidos de la siguiente manera:

1 punto por la actuación de la debutante Elizabeth Debicki como Jordan Baker, amiga de Daisy Buchanan (prima de Nick y parte central del conflicto). La joven Debicki destaca en sus breves escenas y luce fría y distante cuando así se le requiere.

1 punto por la actuación de Joel Edgerton como Tom Buchanan, el infiel esposo de Daisy y gran deportista en sus años de estudiante. Su actuación es convincente y es quien sostiene algunos de los momento claves del drama.

1 punto por la química entre Leonardo DiCaprio y Tobey Maguire, quienes son grandes amigos en la vida real lo cual se nota en pantalla. Cabe destacar también que DiCaprio ha sido de los pocos actores que logró deshacerse de la etiqueta de ídolo adolescente que adquirió tras el rotundo éxito de Titanic (James Cameron, 1997) llegando a trabajar con grandes directores (Scorsese, Spielberg, Tarantino, Mendes, Boyle, Scott, González Iñárritu, Nolan... ahí es nada) y aunque en la cinta que nos ocupa repite con Baz Luhrmann, creo que esta no es una de aquellas grandes actuaciones por las que será recordado. 

3 puntos por... remarcar el texto que sigue porque se aproximan unos...

***SPOILERS*** ***SPOILERS*** ***SPOILERS***  ***SPOILERS*** 

La escena del funeral de Gatsby que creo que funciona muy bien como contrapeso de toda la fastuosidad y el colorido de las pachangas que daba el protagonista al principio de la historia, sobre todo cuando Carraway hace notar que "ninguno de los que gozaron de la hospitalidad de Gatsby lo acompañó en su funeral". La mansión vacía donde otrora estaba a rebosar de invitados deja bien en claro que las cosas no volverán a ser las mismas.

¿Qué es lo que falla en El Gran Gatsby entonces? El uso y abuso del CGI en una historia que no lo necesitaba realmente y que solo logra un ambiente artificial que en muchas ocasiones se convierte en un distractor, sobre todo cuando la novela en que se basa la cinta es excelente como para recurrir a esos artificios y ya poniéndonos a enrollar la lengua, enchinar las barbas y deliberar qué debemos hacer con ése Jay Gatsby considero que esta es una cinta que debió haber sido filmada de una manera más tradicional como por ejemplo Los Ángeles al Desnudo. Pero Baz Luhrmann es dado a combinar aspectos modernos con algunos más clásicos, por ejemplo su adaptación de Romeo y Julieta (1996) esta ubicada en la época actual, en tanto que en esta cinta las fiestas de Gatsby son amenizadas por música con elementos actuales, cosa que no me convenció por completo.

Por último señalar que tampoco terminé por creerme que Carey Mulligan (quien creo que es una buena actriz) fuera la principal causante del drama; simplemente creo que no estuvo a la altura del rol ya que Daisy Buchanan es uno de los personajes más icónicos de la literatura americana, así como lo es Holly Golightly el personaje central de Desayuno en Tiffany's, la inmortal novela de Truman Capote y que fuera interpretada en la pantalla por la mítica Audrey Hepburn. Simplemente creo que Mulligan se quedó corta, así como el mismo Gatsby de alcanzar su más anhelado sueño... ¿o tú que dices old sport?

Título Original: The Great Gatsby. 

Director: Baz Luhrmann.

Año: 2013.

Protagonistas: Tobey Maguire, Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Elizabeth Debicki, Isla Fisher.

Reseña: Comando (1985)

Hace unos días leía un comentario en redes sociales que decía más o menos así: "en los años 80s queríamos saber como sería el futuro. Ahora queremos volver a los 80s". Lo anterior obviamente en el contexto de la cultura popular. Y es que actualmente nos podemos encontrar con un gran número de producciones que de alguna manera referencian dicha época: secuelas, precuelas, remakes, spin offs, etc. Stranger Things, Ready Player One, Cobra Kai, o las secuelas de cintas como Top Gun así como las nuevas versiones de íconos de la época en mención como Arma Mortal o McGyver ejemplifican lo anterior.

Mi opinión es que, por más que intentemos emular el pasado (y haciendo uso del cliché) este no volverá. Es imposible reproducir la magia, en este caso de una década que al parecer no hemos podido superar. Sólo nos quedan los testimonios visuales y sonoros que de esta manera se convierten en una ventana al pasado. Es por eso que suelo visitar periódicamente esa década en la que la cartelera cinematográfica se veía repleta de películas realmente nuevas (creo que la palabra precuela nadie la había mencionado). La elegida en esta ocasión para dar rienda suelta la nostalgia fue Comando, la cual por cierto tuve la oportunidad de ver en el cine en su momento.

Comando

Sinopsis: El ex-coronel de las Fuerzas Especiales de Estados Unidos John Matrix (nada menos que Arnold Schwarzenegger) parece llevar una vida ideal: habita una cabaña en las montañas de California junto con su hija Jenny (Alyssa Milano) alejados del resto. Lamentablemente para Schwarzenegger (¿acaso importa realmente el nombre de su personaje?) ese paraíso se verá interrumpido ya que sus antiguos compañeros del ejército están siendo asesinados uno por uno por enemigos desconocidos. Uno de sus antiguos generales le asigna a Schwarzenegger dos guardias como protección pero no es suficiente ya que los elementos son eliminados y su hija secuestrada. Jenny es usada como moneda de cambio para que Schwarzenegger a su vez ayude a los secuestradores en un golpe de estado en el ficticio país sudamericano de Val Verde. Pero nuestro protagonista no es de los que juegan el rol de víctima sobre todo cuando la vida de su hija peligra y jugará bajo sus propias reglas.

Calificación: 10 puntos distribuidos de la siguiente manera:

2 puntos por ser una producción que no va más allá de sus pretensiones. Podrá parecer absurdo este punto pero como señalé anteriormente, realmente no importa tanto el nombre del protagonista o que el Macguffin sea su hija. Bien pudo haber sido su esposa, su hermano, su tío, su suegra... lo importantes aquí es el viaje y no tanto el destino. Lo que queremos es ver a Schwarzenegger armado hasta los dientes infiltrarse hasta el corazón de "la bestia".

2 puntos por los one-liners los cuales esta película tiene varios. Pero especialmente por aquel memorable diálogo:

Arnold -¿Recuerdas que dije que te mataría al último?

Sully -¡Si! ¡Lo hiciste!

Arnold -Mentí.

1 punto por el personaje de Cindy (Rae Dawn Chong) cuyas acciones pierden sentido a medida que transcurre la historia: pasa de ser secuestrada por Schwarzenegger como parte de un improvisado plan para rastrear a uno de sus enemigos a ayudar desinteresadamente al protagonista y cuando tiene la oportunidad de escapar, simplemente no lo hace.

1 punto por la escena en el centro comercial, sobre todo cuando varios guardias de seguridad pretenden someter al prota y éste se deshace de ellos de un soberbio empujón.

1 punto por la escena del escape del avión. Simplemente imposible para cualquier ser humano pero endiabladamente entretenida.

2 puntos por la dirección de Mark L. Lester quien no permite que el ritmo no decaiga así como el interés de la audiencia... aunque ya sabemos cómo va a terminar todo.

1 punto porque Schwarzenegger llega prácticamente indemne al duelo final después de saltar de un avión, sobrevivir a una explosión dentro de una furgoneta de la policía y acabar con todo un batallón.

Punto extra: por el nombre ficticio de Val Verde, usado para evitar posibles problemas diplomáticos con algunos países de América del Sur o Centroamérica. El nombre tuvo cierta popularidad entre los cineastas de la época que fue posteriormente usado en cintas como Depredador (John McTiernan, 1987), Duro de Matar 2 (Renny Harlin, 1990) o en la serie Misión Imposible.

Comando pertenece a una época que difícilmente volverá, en donde la violencia era gratuita y hasta glamorosa (¡qué bien se veía Schwarzenegger matando soldados sosteniendo la metralleta con una sola mano!) y con desnudo frontales femeninos a la menor provocación. Donde abundaban las frases efectivas dichas en el momento preciso y la palabra "deconstrucción" no estaba en el vocabulario de algún listillo. Fue estrenada el mismo año que otra gran cinta de acción: Rambo II (George P. Cosmatos) protagonizada por Sylvester Stallone en la que Rambo mata a más de 60 personas en pantalla, en tanto que Schwarzenegger acaba con la vida de más de 100... eran los 80s.

Título Original: Commando. 

Director: Mark L. Lester.

Año: 1985.

Protagonistas: Arnold Schwarzenegger, Rae Dawn Chong, Alyssa Milano, Dan Hedaya, Vernon Wells.

Reseña: Arrástrame al Infierno (2009)

El pasado fin de semana la redes sociales que regularmente sigo y que están enfocadas sobre todo al Cine de Terror o Ciencia Ficción estuvieron recordándome constantemente que cada vez está más cerca Halloween o la Noche de Brujas. Dichas fechas siempre han sido mis preferidas (no voy a entrar en la polémica de "Halloween o Día de Muertos", quien haya leído los orígenes de estas festividades encontrará que, a efectos prácticos, son lo mismo y ambas las celebro de igual manera). Son fechas en las que puedo salir a la calle sin el riesgo de causar sustos de proporciones inenarrables, o cuando menos que le avisen al camposanto que se les escapó uno de sus inquilinos; y en mi morada de reposo eterno me dispongo a efectuar mis tradicionales maratones de cintas de Terror.

Así que ante la abrumadora presencia cibernética del Samhain adelantado, decidí por unos momentos dejarme llevar por la corriente e imaginar que ya me encontraba en la mejor época del año. Por supuesto que para lograr una experiencia completa recurrí a mi extensa videoteca buscando alguna cinta del género. La elegida para la ocasión fue, honestamente, la primera que encontré. ¿Me favoreció la diosa Fortuna? veamos.

Arrástrame al Infierno

Sinopsis: Aunque Christine Brown (Alison Lohman) tiene un buen trabajo como ejecutiva de préstamos bancarios con altas probabilidades de ser ascendida y tiene una pareja estable que la ama y se preocupa sinceramente por ella, no podemos afirmar que su vida es perfecta: un colega celoso procura hacerle la vida imposible, su jefe no considera que ella tenga el carácter necesario para su nuevo puesto y su futura suegra no está convencida de que sea la mejor elección de su hijo. Así la situación, un día aparece la Sra. Ganush (Lorna Raver) solicitando una prórroga para el pago de su hipoteca.

Christine ve en ello la oportunidad perfecta para demostrar que su jefe se equivoca al no creer en su fuerza de carácter y le niega dicha extensión a la Sra. quien, sintiéndose humillada, ataca a la joven y le lanza una terrible y antigua maldición que la empleada bancaria buscará deshacerse de ella sin importar lo que tenga que hacer para lograrlo.

Calificación:  6 puntos distribuidos de la siguiente manera:

1 punto por la actuación de Lorna Raver como la Sra. Ganush. Su demencia es intimidante y perturbadora.

2 puntos por la escena en que la protagonista llega a su casa después de saber que ha sido maldecida. Las sombras y alaridos que la rodean crean una atmósfera muy particular y sin recurrir a los gastados efectos digitales, el mal de las cintas de terror de nuestros tiempos.

2 puntos por la aparente contrariedad de que una persona pueda invocar la más terrible de las maldiciones pero sea incapaz de cumplir con sus obligaciones tributarias. Vamos, que ni el más poderoso y antiguo demonio es rival de los temibles créditos hipotecarios.

1 punto por la probada habilidad del director Sam Raimi de fusionar el terror con la comedia, aunque creo que en esta ocasión no ha estado del todo atinado...

La gran desventaja de esta cinta es que, quien no esté del todo familiarizado con el cine de Raimi puede encontrar cargante la cantidad de líquidos biliares (léase vómito) que la anciana descarga sobre la desafortunada protagonista a la menor provocación o la escena de la mosca. Otra de las constantes del cineasta es convertir a los protagonistas en antihéroes o en individuos que cometan acciones reprobables a los ojos del espectador (sacrificar a su mascota con tal de aplacar al demonio que la acosa o verse tentada pasar la maldición al primer parroquiano que se cruce en su camino) pero lo cierto es que Alison Lohman carece del carisma necesario para convertirse en el nuevo Ash Williams (el protagonista de la trilogía de Evil Dead del mismo Raimi) y en ocasiones se hace demasiado evidente que el cineasta busca la carcajada fácil, así como el final me parece demasiado precipitado. También puede verse como una no muy sutil crítica al sistema financiero actual a la indiferencia hacia los más desposeídos. 

Título Original: Drag Me to Hell. 

Director: Sam Raimi.

Año: 2009.

Protagonistas: Alison Lohman, Lorna Raver, Justin Long.

Reseña: Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra.

Comentaba en la reseña de Los Siete Magníficos acerca de cómo el western durante muchos años fue el género insignia del Séptimo Arte dando lugar al surgimiento de verdaderas leyendas del Cine como John Wayne, Steve McQueen o Clint Eastwood.

Pero durante algún tiempo, otro género ocupó el gusto del público llegando a formar parte de la historia del Cine, me refiero al género de las cintas de piratas. Figuras como Errol Flynn protagonizaron no únicamente algunas afamadas películas del género, sino los sueños de los cinéfilos que acudían a las salas de cine durante la Época de Oro del cine estadounidense. Pero así como los tiempos cambian, los gustos del público también lo hacen al grado que el antecedente más reciente en las cintas de piratas previo al año 2000 era la mediocre La Pirata (Cutthroat Island, Renny Harlin. 1995), una película que fue un fracaso de público y de crítica y que sólo venía a confirmar que el género estaba más enterrado que los tesoros de William Kidd.

Por eso fue tan notorio el hecho de que los estudios Walt Disney apostaran en 2003 por una cinta basada en una atracción de unos de sus parques de diversiones llamada así mismo Piratas del Caribe protagonizada por Johnny Depp y que suponía la carta fuerte del verano de ese año...

Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra.

Sinopsis: El despreocupado pirata Capitán Jack Sparrow (Johnny Depp) desembarca en la colonia británica de Port Royal (actual Jamaica) con el propósito de conseguir una embarcación ya que su segundo al mando, el Capitán Hector Barbossa (Geoffrey Rush) se amotinó contra Sparrow llevándose su barco (El Perla Negra del título) y su tripulación pero Barbossa también carga consigo una maldición resultado de haber robado el Tesoro de Moctezuma. Para romperla, Barbossa necesita a su vez la sangre del fallecido Bootstrap Bill, quien fue parte de la tripulación del Perla cuyo descendiente Barbossa cree que se encuentra en Port Royal. Sin embargo los piratas raptan por error a Elizabeth Swann (Keira Knightley), hija del gobernador de Port Royal mientras Sparrow descubre al verdadero heredero de Bootstrap, el joven Will Turner (Orlando Bloom) en quien encuentra una forma de recuperar al Perla, en tanto que el joven Will necesita a Jack para encontrar a Elizabeth de quien está secretamente enamorado.

Calificación: 10 puntos distribuidos de la siguiente manera:

2 puntos por la actuación de Depp como Jack Sparrow. Hasta ese momento el actor se había especializado en cintas de corte independiente cuando no estaba colaborando con su amigo, el director Tim Burton por lo que Piratas... supuso su entrada a las grandes producciones hollywoodenses y el actor lo hizo de gran manera, dotando a su personaje de un caracter y una personalidad muy bien definidos. Aunque también me atrevería a decir que a partir de esta etapa de su carrera comenzó también su declive (tema para otra publicación).

2 puntos por la actuación de Rush como Barbossa. Mucho se habló en su momento de la actuación de Depp pero Geoffrey Rush construyó a su vez un antagónico muy carismático que cuando comparte la pantalla con Johnny Depp en ningún momento es opacado estando de hecho a la par.

2 puntos por la dirección de Gore Verbinski que entrega una película redonda de excelente manufactura, ritmo envidiable y soberbia dirección de actores logrando que incluso el soso de Bloom no desentone junto al resto del estupendo reparto.

2 puntos por la estupenda música de Klaus Badelt que logró un score fácilmente identificable y que ya se encuentra entre los temas más reconocidos del mundo del Cine.

1 punto por los efectos especiales y el maquillaje empleado para representar a los piratas malditos. Mismos efectos que han envejecido de manera notable ya que si los comparamos con los usados para representar al ejército de los muertos de El Señor de los Anillos: El Regreso del Rey (Peter Jackson, 2003) estrenada el mismo año, nos encontraremos con que los de la épica de Jackson lucen avejentados y fuera de lugar.

1 punto por Keira Knightley. Son pocas las concesiones que hago tratándose de Cine pero fue gracias a esta película que la actriz británica se convirtió en, como dirían actualmente, mi crush cinematográfico al grado que llegué a adquirir varias de las cintas que ella protagonizaba aunque actualmente lo considere algo más bien anecdótico. Keira tenía tan solo 17 años cuando filmó esta película y tiene una parte importante dentro de la misma sin dejarse intimidar por "montruos" de la talla de Depp, Rush o el también gran actor Jonathan Pryce quien interpreta a su padre.

Como señalé anteriormente, Piratas del Caribe: La Maldición del Pera Negra fue la manera en que los estudios Disney revitalizaron un género que se consideraba extinto y, aunque se fue desdibujando en sucesivas entregas, trajo de vuelta esa sensación de "grandes aventuras" del Cine de Oro, mismas que hacían al espectador soñar y hacer volar la imaginación. Tesoros escondidos, antiguas maldiciones, grandes galeones, hábiles espadachines y grandes héroes: el material del que están fabricados los sueños de cualquier cinéfilo. Nada mal para una película basada en una atracción de parque de diversiones.

Título Original: Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl. 

Director: Gore Verbinski.

Año: 2003.

Protagonistas: Johnny Depp, Geoffrey Rush, Orlando Bloom, Keira Knightley, Jack Davenport, Kevin R. McNally, Zoe Saldana, Jonathan Pryce.

Reseña: Robin Hood (2010).

Son tiempos de lluvias, mi segunda época preferida del año y la mejor parte es que apenas están iniciando. Durante este tiempo los campos reverdecen y la tierra se refresca después de largos meses de sequía. Las cercanías del viejo cementerio donde reposan mis añosos y cansados huesos no es la excepción ya que actualmente por estos lugares proliferan la humedad y el verdor lo que siempre me trae de recuerdo las viejas leyendas del folclor de la vieja Albión, particularmente la del hombre-duende Robin Hood o Robin de los Bosques. Dicha leyenda, junto con la del Rey Arturo siempre ha sido de mis predilectas, pero ¿Qué tanto hay de cierto en las leyendas que se cuentan acerca de éste personaje?

De acuerdo con el periodista Nigell Bundell: pruebas documentales indican que entre los siglos XIII y XIV un hombre llamado Robin Hood vivió en Wakefield, en el condado de York... 

Robin Hood (cuyo nombre de bautismo era Robert) nació alrededor de 1290; su padre, Adam Hood, era un guardabosque al servicio de John, conde de Warenne y lord del señorío de Wakefield.

Las aventuras de Robin Hood en los bosques continuaron hasta cerca de 1346; se dice que murió en ese año, en el monasterio de Kirkiees.

Pero más allá de las muchas conjeturas que pudieran hacerse, lo cierto es que Robin Hood es uno de los personajes más fascinantes del imaginario colectivo y como es natural ha conocido muchísimas adaptaciones cinematográficas. Una de las más recientes que he tenido la oportunidad de ver data del año 2010 titulada así  mismo Robin Hood.

Robin Hood.

Sinopsis: El rey Ricardo Corazón de León y el ejército inglés se encuentran regresando de la Tercera Cruzada y dado que esas campañas son muy costosas, los ingleses se encuentran saqueando todo a su paso antes de volver a casa. Pero es durante el asalto del castillo de Châlus en Francia que el rey Ricardo muere y Robin Longstride, uno de los arqueros del rey y sus compañeros, saben que la situación ha cambiado por lo que buscan la manera más rápida de volver a casa.

Ante la evidente incompetencia del Príncipe Juan, quien había quedado al frente de la nación inglesa, los franceses quieren aprovechar la situación para emprender una campaña contra Inglaterra. Con este desolador panorama, los ingleses necesitarán una figura que los lidere e impulse a defender su tierra.

Calificación: 7 puntos distribuidos de la siguiente manera:

3 puntos por los primeros 40 minutos de la historia en los que el legendario director Ridley Scott demuestra todo su oficio de forma enérgica y eficiente.

1 punto por la escena en la que, ante la muerte de su rey, Robin Hood toma la determinación de tomar su propio camino. Tal vez parezca insignificante pero es ahí donde conocemos su carácter y se percibe la esencia de "hombre libre" que siempre ha caracterizado a la leyenda.

1 punto por la presencia de la bella actriz francesa Léa Seydoux, aunque su aparición es breve ya demostraba visos de la figura que se ha convertido actualmente, además de que destaca ante tanto nombre importante del reparto.

1 punto por la secuencia final, todo un portento de edición en la que Scott recupera algo de la fuerza de los primeros minutos de la cinta.

1 punto por el diseño de producción, impresionante como cabría esperar de un director de la talla de Ridley Scott.

La película viene precedida por un elenco impresionante: Russell Crowe, Cate Blanchett, Mark Addy, William Hurt, Max von Sydow, Oscar Isaac entre otros, pero creo que no brilla como debería al grado que quien roba cámara en cada oportunidad es la novata (en aquel entonces) Seydoux. A eso hay que sumarle algunas imprecisiones históricas muy evidentes para quienes hemos leído acerca de los tiempos en que supuestamente vivió Robin Hood, como el hecho de mostrar que el rey Ricardo murió durante su regreso de Tierra Santa  siendo que el rey vivió algunos años después de su última excursión (aunque de hecho si murió durante el asedio al castillo de Châlus y de manera accidental).

En realidad, la cinta viene siendo una especie de "Robin Hood Inicia" pero no ayuda el hecho de que la protagonizaran unos Crowe y Blanchett maduros. Incluso Crowe tenía la misma edad que Sean Connery cuando éste último protagonizó Robin y Marian (Richard Lester, 1976) en donde se muestra a un maduro Robin Hood. Pero considero el defecto más grave el hecho de que la película no sobreviva los ya señalados primeros minutos ya que va perdiendo fuelle progresivamente resultando en un intento más de los muchos que se han realizado de mostrar un retrato convincente del forajido más famoso de Sherwood. El que Robin tenga tan poca interacción con su inseparable amigo Pequeño Juan tampoco ayuda. Afortunadamente adaptaciones ha habido muchas, algunas de ellas serán comentadas en futuras entradas.

Título Original: Robin Hood. 

Director: Ridley Scott.

Año: 2010.

Protagonistas: Russell Crowe, Cate Blanchett, Mark Addy, William Hurt, Max von Sydow, Oscar Isaac, Léa Seydoux.

Reseña: Los Siete Magníficos.

El Cine nos otorga una experiencia tan completa que nos permite apreciar cómo se percibía la sociedad de épocas cuando algunas obras fueron filmadas. Por ejemplo, una película tan importante como Lawrence de Arabia (David Lean, 1962) no contiene un solo personaje femenino de importancia dentro de la trama. Y, aunque se trata de una omisión justificada, ya que la cinta está basada en los diarios que el mismo Thomas Edward Lawrence escribió durante su estancia en el desierto durante la rebelión árabe contra el ejército otomano, lo cierto es que de haberse filmado en la actualidad los productores tal vez hubiesen creado una compañera o contraparte femenina en aras de la inclusión. O seguramente nos encontraríamos con un sinnúmero de protestas por parte de algunos colectivos feministas argumentando falta de representación en la pantalla.

Si bien es necesario hacer visibles a los grupos especialmente vulnerables y darle una voz a las minorías que anteriormente no tenían, también considero que algunas obras deben mantenerse fiel a su esencia y a su tiempo. Es bien sabido que Lo que el Viento se Llevó (Victor Fleming, 1939) fue retirada de plataformas digitales por "su glorificación de la esclavitud" y "perpetuar estereotipos raciales" y en su lugar se programaron una serie de documentales que dieran contexto a la época representada en la historia, como si el público estuviera conformado por espectadores de intelecto limitado a quienes haya que explicarles todo lo que ven en la pantalla. Algunas obras han trascendido su tiempo y se han mantenido vigentes porque respetan al espectador y, en algunos casos estos últimos saben que dichas obras son hijas de su tiempo. Como el caso de la cinta que nos ocupa en esta ocasión.

Los Siete Magníficos.

Sinopsis: Los pobladores de una pequeña comunidad cerca de la frontera con Estados Unidos sufre del constante asedio de una banda de delincuentes quienes los despojan de los frutos de su cosecha. Cansados de esta situación, deciden pedir la ayuda de pistoleros a sueldo, pero dado que la paga es muy reducida solo consiguen contratar a siete mientras que la banda de los delincuentes se conforma por más de 40. Los siete buscarán involucrar a los mismos pobladores en la lucha aunque la tarea no será sencilla.

Calificación: 10 puntos distribuidos de la siguiente manera:

4 puntos por el reparto, uno de los más completos e impresionantes: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn, Robert Vaughn y como el líder de la banda de saqueadores nada menos que Eli Wallach, el icónico Tuco de El Bueno, El Malo y El Feo (Sergio Leone, 1966).

2 puntos por la inmortal música de Elmer Bernstein, usada por mucho tiempo por una conocida marca de cigarros.

2 puntos por los escenarios naturales y los paisajes mexicanos de Morelos, Durango y Tepoztlán.

2 puntos por tratarse de una producción como las que ya no hay: dura, violenta, filmada en locación; una historia sencilla con buenos y malos bien definidos. Héroes y villanos enfrentándose en calles polvorientas.

Hay ocasiones en la que no importa tanto lo que se cuente sino cómo se cuenta y ésta es una de ellas. Solo basta la presencia de grandes como Brynner, McQueen o Bronson cuya sola presencia bastaba para llenar la pantalla y el público los adoraba por ello. A eso hay que sumarle un buen ritmo de narración y coreografías de balaceras espectaculares. El Western o como solíamos decir "las películas de vaqueros" fueron por mucho tiempo la quintaesencia de la imagen cinematográfica: aquellas películas en la que a los pistoleros nunca se les terminaban las balas, los caballos nunca se cansaban y las mujeres eran aquellas personas abnegadas que siempre tenían comida caliente en la mesa sin importar la hora. Se construían sets para recrear pueblos completos y sus producciones eran una especia de "industria dentro de la industria". 

Pero el público evoluciona y algunas de las incongruencias del párrafo anterior no podían durar para siempre (como las balas). Actualmente los westerns se manifiestan por medio de otros géneros, por ejemplo la cinta Logan (James Mangold, 2017) es considerada como western crepuscular. Si bien la época dorada del género pasó hace mucho, su influencia ha permeado hasta nuestros días como el ejemplo anteriormente expuesto y siempre estarán los grandes clásicos para disfrutar una y otra vez. Siempre tendremos la imagen del héroe cabalgando hacia el ocaso.

Título Original: The Magnificent Seven. 

Director: John Sturges.

Año: 1960.

Protagonistas: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn, Robert Vaughn, Eli Wallach.

Invasiones Extraterrestres V. Plan 9 del Espacio Exterior.

Después de un breve descanso el huesudo que en este espacio cibernético se hace presente, continúa con sus delirios paranoides y ahora retoma el ciclo de las Invasiones Extraterrestres; esta vez adentrándose en los fangosos terrenos del así llamado Cine de Culto. A ver cómo le va.

Una de las torrentes que más me despiertan interés en el convulso río del Cine es el así llamado "De Culto" y aunque algunas de las películas de las que ya he hablado en este espacio gozan de este estatus, hay algunas preguntas que me siguen provocando insomnio: ¿Qué es lo que hace que una cinta sea considerada De Culto? ¿porqué cierto sector del público se rinde ante una obra cinematográfica como si se tratara de un objeto digno de veneración y le rinde pleitesía? ¿a partir de qué momento se puede considerar a una película dentro de esta categoría?

Preguntas difíciles de responder y que no van a encontrar respuesta en un humilde dominio como este, pero está el caso aún más complejo de Ed Wood quien pasó de ser considerado como "El peor director de todos los tiempos" a ser valorado como Director De Culto. Para dicha revalorización en algo debió influir la película que del director realizara el cineasta Tim Burton en 1994 y que fue protagonizada por Johnny Depp llamada así mismo Ed Wood, estrenada cuando el mismo Burton se encontraba en su mejor momento creativo y que nos muestra un relato entrañable de un joven Wood abriéndose paso en la difícil industria del cine. Pero si dejamos a un lado este retrato, ¿la obra del fallecido director se sostiene por sí misma? Qué mejor manera de tratar de responder a ésta última pregunta que revisando una de sus obras más emblemáticas.

Plan 9 del Espacio Exterior.

Sinopsis: De acuerdo a unos preocupados extraterrestres, la raza humana está poniendo en un predicamento a la existencia misma. Esto debido a la cada vez más creciente carrera armamentista con productos como la bomba atómica y con otras armas aun no inventadas pero que, según los mismos extraterrestres, pondrá en peligro la vida de toda la galaxia. Pero como los humanos no escuchan razón alguna, los visitantes estelares ponen en marcha el Plan 9 que consiste en convertir a los muertos en zombies porque tal vez sólo así escuchen. Pero un reducido grupo terrícolas se dan cuenta de lo que sucede y buscarán la manera de detener el plan.

Calificación: 9 puntos distribuidos de la siguiente manera:

2 puntos por la breve aparición de Bela Lugosi que aunque se trate de dos breves secuencias, hay muchísima Historia del Cine ahí contenida. Lugosi era un gran amigo del director y murió poco antes de iniciar la filmación y a manera de homenaje, Wood incluyó añadió sus escenas previamente filmadas.

2 puntos por la aparición de Maila Nurmi mejor conocida como Vampira, la presentadora de programas y películas de tono macabro de la década de los 1950s.

2 puntos por el delirante guion de Wood, que combina diferentes elementos del terror y la ciencia ficción y que además, se trataba de uno que merecía filmarse.

1 punto por el comentario de un oficial de policía en el sentido de que siempre le tocan estos tipos de misiones terroríficas; "monstruos, tumbas cuerpos"

1 punto por el zombie del Inspector Clay (Tor Johnson), su escena volviendo del más allá es icónica y su personaje de los más imponentes e impresionantes.

1 punto por el hecho de que una raza más avanzada ética, tecnológica y culturalmente proveniente del espacio exterior termine liándose a golpes con algunos "insignificantes terrícolas".

Es fácil suponer porqué Ed Wood era considerado como el peor director: el actor que sustituye a Lugosi en el resto de la escenas ni siquiera es de su misma complexión ni estatura, los cuerpos de los enterradores eran muñecos de trapo, la escenografía de algunos interiores era de cartulina, son claramente visibles los hilos que sostienen a los platillos voladores, el interior de la supuesta nave espacial era sólo una cortina; y muchos más. Pero creo que también era la excéntrica personalidad de Wood (quien era conocido por vestirse de mujer en una época en que eso era considerado como una actitud más que reprobable) la que de esa forma se manifestaba.

No me atrevería a señalar a Wood como el peor en su categoría, pero tampoco a nombrar a alguno que sea digno de esa "distinción". Lo que si me atrevería a señalar es que, más allá de los evidentes errores en sus producciones, fue su pobre dirección de actores y su evidente falta de ritmo lo que contribuyó a que la industria lo tuviera en tan pobre consideración. Tampoco ayuda una falta de sentido de urgencia (a menos que también se tratara de algo intencional) por lo menos en esta cinta. A pesar de lo anteriormente señalado o quizás por eso mismo, Plan 9 se encuentra inscrita dentro de una época dorada del cine que sigue provocando alegrías en las siguientes generaciones.

Título Original: Plan 9 From Outer Space. 

Director: Ed Wood.

Año: 1959.

Protagonistas: Gregory Walcott, Mona McKinnon, Duke Moore, Tom Keene, Tor Johnson, Bela Lugosi, Maila Nurmi.