Reseña: Spaceballs.

Como se ha puesto de manifiesto en muchos medios, el pasado 4 de mayo se celebró el Día de Star Wars, definido así por el juego de palabras en inglés: May the fourth (4 de mayo) con May the force be with you ("Que la Fuerza te acompañe", el mantra que pronuncian algunos de los personajes dentro de la mitología de la saga). Pero incluso se podría considerar dentro de la cultura geek al mes de mayo como el mes de Star Wars ya que todas las películas de la saga se habían estrenado durante ese mes, antes de que George Lucas (quien también celebra su cumpleaños en mayo) cometiera el error de vender la marca a la todopoderosa compañía Walt Disney.

Pero si algo ha hecho Disney ha sido comercializar la marca (aún más que Lucas) hasta la saciedad. Tanto así que a lo largo de los próximos años tendremos un sinnúmero de estrenos relacionados con la saga entre series de acción real, de animación, cortos, etc. Así que si usted al igual que yo desea alejarse un tanto de toda la parafernalia del universo Star Wars pero no quiere permanecer ajeno a las celebraciones de estas fechas, le sugiero dar un ojo a la parodia que realizó el genial director y guionista Mel Brooks: Spaceballs y que para variar fue mutilada en México con el aberrante título de S. O. S. Hay un loco en el espacio (¡puaj!)

Spaceballs.

Sinopsis: El planeta Spaceball ha derrochado todo su oxígeno por lo que su presidente Skroob planea obligar al rey Roland del vecino planeta Druidia a que le de el código del escudo que protege a su planeta permitiéndole así robarle todo su aire. Para lograrlo, los Spaceballs comandado por el malvado Dark Helmet raptan a la hija de Roland, la princesa Vespa el día de su boda. Roland recurre al mercenario Lone Starr y a su compañero Barf para que rescaten a Vespa a cambio de una cuantiosa recompensa. Dicha recompensa es lo que necesita Lone Starr para pagar la deuda que debe al gangster Pizza the Hutt. Pero en el trayecto el mercenario descubrirá aspectos de sí mismo que ignora.

Calificación: 9 puntos repartidos de la siguiente manera:

2 puntos por el guion de Mel Brooks, en apariencia simple pero cargado de gags (unos más afortunados que otros, todo hay que decirlo) en todo momento y acordes al tono de la cinta.

1 punto por la actuación de Rick Moranis como Dark Helmet. Moranis es un actor con una veta cómica enorme pero casi siempre interpretando a tipos apocados, por lo que aquí es más meritoria su interpretación de "el hombre más malvado de la galaxia".

1 punto por la actuación de George Wyner como el coronel Sandurz, perfecto complemento de Moranis.

1 punto por la escena en la que los protagonistas buscan el videocasete de "Sapaceballs" para encontrar a la princesa Vespa, e incluso la cinta incluye la advertencia del FBI para asegurarse que la película sea original.

1 punto porque la princesa Vespa de Daphne Zuniga  me gusta más que todas las princesas y reinas de Star Wars (incluyendo a Natalie Portman).

1 punto por el cameo de John Hurt recreando una memorable escena de Alien.

2 puntos por la forma en que la cinta se mofa el excesivo comercialismo  no únicamente de Star Wars (en Spaceballs tenemos las cobijas, platos, papel de baño, tazas y hasta lanzallamas que se anuncian dentro de la película), sino de las películas de los grandes estudios hollywoodenses; con todo y que la cinta es de 1987 cuando La Guerra de las Galaxias estaba "muerta" o por lo menos en un olvido temporal.

Actualmente es difícil encontrar películas que sean críticas con el mismo sistema que las produce y con frases tan puntuales como: "sólo soy el presidente, no sé tomar decisiones" y tal vez el único detalle que desmerece sea que algunos de las escenas cómicas se extienden demasiado matando el momentum pero así era el cine de Mel Brooks, un estilo muy marcado que marcó época y era muy apreciado por su público.

Y así como marcó época, Spaceballs también pertenece a una muy productiva no solo para el cine, sino para la cultura popular en general: los años 1980s (así como también los fueron los 1970s). Baste decir que actualmente tenemos secuelas, precuelas, Spin offs y demás productos en desarrollo de películas surgidas durante esa época. Difícil ver películas así actualmente, difícil ver una escena como la "mega doncella" en tiempos políticamente correctos.

Título Original: Spaceballs. 

Director: Mel Brooks

Año: 1987

Protagonistas: Bill Pullman, John Candy, Rick Moranis, Daphne Zuniga.

Reseña: The Wicker Man.

Nota: en esta ocasión el huesudo que escribe en este blog ha optado por conservar el título de la película en inglés ya que al parecer así se estrenó en su tiempo en las salas de México.

Hace unos días fue 1o. de Mayo, fecha de gran significado en las antiguas tradiciones de origen celta ya que era la festividad de Beltaine o Buen Fuego; el día que que marca el paso del invierno al verano, es decir justo cuando el sol está a punto de mostrar su mayor fuerza y la luz comienza a dominar sobre la oscuridad. Como fiesta que para los celtas era de fertilidad y de liberación sexual, estaba dedicada también a la unión entre parejas ya que es en este periodo del año en que todo florece y se honra a la feminidad y su fertilidad. Es decir, hay una fuerte carga sexual representada con el Rey y la Reina de Mayo que se elegían en el marco de estas festividades.

Los aldeanos bailaban alrededor del Palo de Mayo sosteniendo los extremos de los listones que pendían de la parte superior, entonces iban bailando y entretejiendo las cintas hasta que el palo quedaba cubierto de colores brillantes y que era un evidente símbolo fálico. Posteriormente, con la expansión del cristianismo en Europa se dio el inevitable sincretismo religioso adaptando dichas festividades y eliminando todo vestigio de connotación sexual y quedando como lo que ahora conocemos como el Día de la Santa Cruz.

Pero es inevitable que vestigios de esas festividades paganas sobrevivan hasta nuestros días, y la cultura popular ha reflejado algunas características de esas antiguas tradiciones como la película que vi hace unos días como una forma particular de recordar el Beltaine...

The Wicker Man.

Sinopsis: El sargento de policía Neil Howie se dirige a la isla de Summerisle para investigar la desaparición de una joven cuyo caso le es notificado por medio de una carta anónima. Howie es además una persona profundamente devota, por lo que una vez en la isla se escandaliza por las costumbres de sus habitantes quienes al parecer rinden tributo a antiguas deidades paganas cuyos ritos son enseñados a los niños en las escuelas. Además de ello, el sargento se encuentra con que los lugareños parecen distantes y poco cooperativos con la desaparición de la niña y pronto se da cuenta que algo muy perturbador está pasando en ese lugar.

Calificación: 10 puntos distribuidos de la siguiente manera:

2 puntos por la actuación de Edward Woodward como el sargento Howie. Sus reacciones ante las costumbres de los isleños son lo que dan solidez a la historia y el espectador se identifica de manera inmediata con él y si no fuera convincente no funcionaría.

2 puntos por la presencia del legendario Christopher Lee, el patriarca y máxima autoridad de la isla. Lee se especializó en interpretar villanos durante su larga carrea cinematográfica y el de esta película es uno de los más  memorables, lo que ya es mucho decir.

1 punto por las canciones y la música que en The Wicker Man juegan un papel preponderante; de hecho se podría afirmar que la película se acerca en momentos al género de musical. Los musicales, junto con las comedias románticas son géneros que procuro evitar a toda costa; pero aquí las canciones (cargadas de elementos sexuales) contribuyen al tono siniestro del conjunto de manera significativa.

2 puntos por la sensación de que "hay algo terriblemente mal" que percibe el sargento desde el mismo instante en que llega a la isla. El Hombre de Mimbre no es una cinta que recurre a los "jump scares" como elemento de susto fácil, pero hay una tensión y suspenso que a lo largo de la historia se va acrecentando: parejas copulando en los jardines, danzas en la hoguera de jóvenes desnudas, símbolos fálicos como tema de estudio en las escuelas... ¿qué es este lugar?

1 punto por Britt Ekland como la desinhibida hija del posadero y su tentador baile... ¡sublime!

1 punto por la explicación de las festividades de Mayo que el sargento encuentra en la biblioteca como preámbulo de lo que está por suceder.

1 punto por el final, de los mejores en la historia del cine.

The Wicker Man es una película que envuelve al espectador desde que inicia con la imagen de Nuada, el dios sol (extrañamente inquietante) y otros elementos perturbadores como la forma de curar un dolor de garganta o el hecho de que en algún momento los habitantes de Summerisle porten máscaras con forma de cabezas de animales silvestres la han convertido en una película de culto. La única nota que encontré disonante en todo el conjunto fue el hecho de que el protagonista se pusiera a buscar a la probable víctima casa por casa, pero en un subsiguiente visionado se entiende que ya no se encontraba en sus cabales en ése momento de la historia. Extraordinaria película y de mis preferidas de todos los tiempos que al día de hoy no ha sido siquiera igualada, si no que le pregunten a Nicolas Cage y su lamentable versión de 2006. 

"Come. It is time to keep your appointment with the Wicker Man."

Título Original: The Wicker Man. 

Director: Robin Hardy

Año: 1973

Protagonistas: Edward Woodward, Christopher Lee, Ingrid Pitt, Britt Ekland.

Invasiones Extraterrestres IV. La Liga de la Justicia de Zack Snyder.

Extraños tiempos de pandemia los que estamos viviendo sin duda, y el mundo del Cine no puede permanecer ajeno a ellos. Baste decir que ahora estamos viendo sucesos y situaciones que en algún otro momento serían impensables, como por ejemplo el estreno en plataforma digital de La Liga de la Justicia de Zack Snyder, también conocida como Snyder Cut... 

La historia es por muchos conocida: después del éxito comercial de El Hombre de Acero (2013) y Batman V Superman (2016), Snyder se encontraba trabajando en la siguiente película del así llamado Universo Cinematográfico de DC (o DCverse): La Liga de la Justicia, cuando la tragedia golpeó al director en forma del suicidio de su hija Autumn de 20 años, por lo que se vio obligado a dejar de trabajar en la producción y estar al lado de su familia. El encargado de terminar la cinta fue Joss Whedon quien no era ajeno al cine de superhéroes debido a que ya había trabajado en Avengers (2012) de Marvel, la competencia de DC.

Pero el estilo de Whedon resultó muy distinto a lo que estaban acostumbrados los fans de Snyder y del DCverse, mucho más ligero y comedido que se contraponía a la oscuridad y al tono más serio que Zack Snyder imprime a sus producciones. Inmediatamente después del estreno de La Liga de la Justicia (2017) las redes se vieron plagadas con la petición #ReleaseTheSnyderCut haciendo referencia a la versión que de la película había estado rodando el mismo Snyder y que, según se dice, los estudio Warner no estuvieron de acuerdo en exhibir en su momento por tratarse de una cinta muy ambiciosa (4 horas de duración), oscura y violenta.

Pero como señalé líneas más arriba, estamos viviendo tiempos extraños y la actual pandemia fue la situación ideal que permitió que este Snyder Cut llegara a las pantallas caseras, pero... ¿el mundo necesitaba esta cinta?

La Liga de la Justicia, de Zack Snyder

Sinopsis: Momento después de los sucesos de la anterior cinta, Batman V Superman y una vez que El Ultimo Hijo de Kriptón está fuera de su camino, el poderoso extraterrestre Darkseid envía a Steppenwolf con el fin de recuperar las Cajas Madre las cuales se activan con el último grito de Superman y que el mismo Darkseid había perdido desde tiempos ancestrales en nuestro planeta y que le permitirán controlar todo el Universo. Ante la inminente invasión, Batman se da a la tarea de juntar a un equipo de metahumanos pero Steppenwolf resulta ser demasiado poderoso, por lo que los héroes buscarán traer de regreso a Superman aunque tal vez sea demasiado tarde.

Calificación: 7 puntos distribuidos de la siguiente manera:

1 punto por la escena inicial de la Mujer Maravilla frustrando un atentado en un museo. Aunque finalmente poco afecta a la trama, es una gran secuencia cargada de emoción y buen ritmo.

2 puntos por la participación de Jeremy Irons, un enorme actor que una vez más muestra su gran oficio y que sólo resta desear una película de Batman en solitario con su presencia.

1 punto por Henry Cavill como Superman. Aunque lejos aún de la mítica figura de Christopher Reeve, se le va más cómodo con su personaje (cosa que no me había parecido en las anteriores películas del DCverse).

1 punto por la participación de Amy Adams, una de las actrices más interesantes de la actualidad y poseedora de un enorme carisma.

1 punto porque se logra un buen equilibrio entre los personajes principales, teniendo todos un momento de lucimiento y espacio para desarrollarse.

1 punto porque el estudio optó, aunque sea por una vez, por satisfacer las peticiones de sus fans con una película que es la visión de su director. Una visión que no busca agradar al espectador de ocasión sino a los fans de este Universo. 

La Liga de la Justicia de Zack Snyder es más bien una cinta irregular en sus 4 horas de duración que no corrige algunas de las fallas de la versión de la versión de 2017 como el hecho de que las Amazonas resguardan una de las cajas madre únicamente con arcos, flechas y su fuerza física sabiendo quién es Darkseid y lo que es capaz de hacer o que Bruce Wayne, uno de los personajes más prominentes del planeta (en la realidad vendría a ser algo así como Elon Musk) se dedique a reclutar aliados exponiéndose de esa manera y sin recurrir a su identidad de Batman. Pero hay tres rubros en particular en los que creo es conveniente analizar a detalle:

1. Zack Snyder.

El director ganó notoriedad por Dawn of the Dead, versión actualizada del clásico de George A. Romero, pero fue 300 la cinta que lo dio a conocer de forma masiva y en que desarrolló un estilo visual muy característico. Pero lo que funcionó tan bien en 300 es lo que ha lastrado su cine; por ejemplo en Watchmen ése mismo estilo se vuelve cansino acercándose más a la estética de videoclip y olvidándose que debe ponerse al servicio de la historia que está contando, por no mencionar que desvirtúa por completo el discurso de la estupenda novela gráfica de Alan Moore en la que se basa. Creo que Snyder tiene una gran estética visual pero que no es la mejor para contar historias, abusando de la paleta monocromática y recargándose en exceso en el uso de la cámara l-e-n-t-a. Tan es así que La Liga... tarda casi una hora en finalmente arrancar. Pero también debo añadir que después de esa primera hora la película comienza a ir hacia arriba ganando considerablemente. Para mí, en un inicio era difícil entender cómo es que los estudios Warner y DC confiaron tan ciegamente en Snyder como para ceder el control de un plan tan ambicioso pero creo que ahora se ha ganado a los fans.

2. Batman.

De todos los personajes de esta película Batman es el único de quien soy fan realmente; desde los cómics que he coleccionado por años, videojuegos y películas. Así que no puedo evitar comparar cada nueva versión que aparece en el cine con el personaje que he leído y "conozco"; y con esta película no ha sido la excepción: para mi, Ben Affleck no es Batman. Es un tipo enojado y con mucho dinero, pero el Hombre Murciélago es más que eso. Batman debe ser más inteligente, calculador y meticuloso. 

Mas aún, creo que en esta película su personaje sale sobrando. No por el hecho de que no tiene súper poderes, sino que el tono épico que pretende darle Snyder a su historia (con una secuencia que recuerda a El Señor de los Anillos incluida) dista mucho de lo que comúnmente se asocia al personaje de Batman. Pero tal vez la peor parte respecto a su personaje es lo que no vemos en pantalla: Robin fue asesinado por el Joker y Batman no pudo salvarlo, y la mansión Wayne está en ruinas. Esas historias me gustaría verlas en una película. Pero esas mismas fallas ya se habían presentado en Batman V Superman lo que nos lleva al tercer y último apartado.

3. El Universo Cinematográfico DC.

Efectivamente, muchas de las fallas de esta cinta son de origen. O sea, desde la misma concepción de este Universo Cinematográfico ya que comenzaron a construir la casa por el tejado. Es decir, antes de establecer propiamente a los personajes, estos ya estaban compartiendo pantalla tal y como sucedió en Batman V Superman; y lo mismo vuelve a suceder aquí sin darnos apenas tiempo de digerir a los caracteres y sus motivaciones. De los 6 principales, solo dos tenían su película en solitario (Acuaman se estrenó después de la Liga... de Whedon). La historia de Cyborg me pareció medianamente interesante y le da mucho sentido a su participación. Por otro lado, creo que Flash merece su cinta aparte. De hecho, por eso mismo funciona mejor el personaje de Wonder Woman: porque no tenemos que repasar toda la historia de las Amazonas y el porqué viven en una isla (aunque ¿era realmente necesario escuchar el tema de Wonder Woman cada vez que ella hace algo?).

Y así podría seguir, pero como pregunté anteriormente: ¿el mundo necesitaba esta cinta? Si se es fan de Snyder y de este Universo la respuesta es sí. La cinta mejora considerablemente en relación a la versión de Whedon, cosa que tampoco era muy difícil de conseguir. Pero si, por otro lado, tan solo fue la manera de Warner Bros. de resarcirse con los fans (y sacar más dinero) a sabiendas de que ya no se le dará continuidad a esta cinta ni al  plan original de Snyder, entonces no le veo mucho sentido. A menos que la nueva petición (#RestoretheSnyderverse) prospere y tal vez veamos el propósito de esa serie de epílogos que por lo pronto sólo contribuyen a dar una sensación de dispersión a la historia, particularmente las visiones de Batman. En fin que creo que Snyder es un director valiente pero a veces pienso que debería ser más concreto y dejarse de tanto vericueto al momento de contar sus historias. La película es buena, pero podría haber sido mejor. 

Título Original: Zack Snyder's Justice League. 

Director: Zack Snyder (Obviamente)

Año: 2021

Protagonistas: Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Gal Gadot, Ray Fisher, Jason Momoa, Ezra Miller, Jeremy Irons.

Invasiones Extraterrestres III. La Garra Gigante.

Después de mucho meditar, el espectrillo con ínfulas de crítico cinematográfico que en este espacio cibernético se manifiesta vuelve a la carga para recetarnos la siguiente entrega de sus cavilaciones acerca de las películas que tratan cuestiones relativas a las invasiones de otros mundos...

¡Almas perdidas! Debemos tener cuidado ya que las amenazas siderales pueden presentarse en diferentes formas y es fácil caer en errores de concepción popular. Dígalo si no el ejemplo que voy a poner con la película cuya revisión toca en esta entrada: si nos remontamos a la gloriosa época de los 1950s y hacemos mención de la palabra "extraterrestre", los parroquianos de aquellos entonces inmediatamente la asociarán con la clásica imagen de la criatura humanoide color verde de enorme cabeza y grandes ojos que ocupan la mitad de la misma. 

Otra imagen que también se popularizó en ese tiempo fue la del alienígena de aspecto robótico y de extremidades más bien rígidas que además lanzaba temibles rayos desintegradores, tal y como aparecen en La Tierra Contra Los Platillos Voladores de 1956. Pero en esta ocasión la amenaza tiene un aspecto distinto, casi prehistórico...

La Garra Gigante.

Sinopsis: Durante unas pruebas de radar del ejército Norteamericano el ingeniero Mitch MacAfee, encargado de las mismas, detecta un Objeto Volador No Identificado (OVNI pues) la Fuerza Aérea envía tres jets a investigar el avistamiento. No solo no encuentran prueba alguna, sino que además una de las aeronaves se ha perdido. Como los del ejército creen que el inge les está tomando el pelo, lo mandan de vuelta a su casa en avión junto con su asistente la matemática Sally Caldwell. Ahí son atacados por una fuerza misteriosa que ocasiona un aterrizaje forzoso llevándolos a una granja.

A raíz de estos sucesos, el ejército reconsidera su postura respecto al inge y juntos deberán colaborar para localizar y enfrentar una amenaza aérea que parece invencible y que, después de mucho investigar, llegan a la conclusión que no es de éste mundo.

Calificación: 9 puntos distribuidos de la siguiente manera:

1 punto por la escena en la que MacAfee y Sally Caldwell se encuentran comentando la situación a bordo de un vuelo y sin venir a cuento, él le planta tremendo beso, cosa que ella acepta de muy buena gana sin haber relación sentimental previa de por medio. Actualmente no se podría rodar una escena así sin atenerse a la furia de los colectivos feministas, pero en los  años 50s no había tanta agenda política de por medio.

2 puntos por el "aterrador" diseño del bicho extraterrestre: tal vez risible pero una apuesta diferente a la mayoría de los extraterrestres cinematográficos de la época.

2 puntos porque los encargados de la producción, y con la finalidad de que el bicho luciera más grande y atemorizador, se dieron a la tarea de reconstruir varios edificios emblemáticos de la ciudad de Nueva York a escala, como el Empire State o la sede de las Naciones Unidas.

1 puntos porque en relación al punto anterior, uno de los militares que persigue al bicho exclama "se dirige al edificio de las Naciones Unidas" como si la criatura lo hiciera deliberadamente.

1 punto por ese momento en que la criatura se posa sobre el icónico Empire State:

2 puntos por el "agarrón" final entre el bicho y la Fuerza Aérea, de hecho me parece que una de las escenas de la catástrofe es la misma de la ya mencionada La Tierra Contra Los Platillos Voladores que fue estrenada un año antes que esta (de hecho, ambas fueron dirigidas por Fred F. Sears).

Actualmente es difícil encontrar éste tipo de cintas con tanto desparpajo y a la vez con un sentido del drama que las redime frente al espectador, además de otros punto a saber:

• Como señalé más arriba, eran otras épocas en las que los temas de agenda ni siquiera de hacían presentes (para bien o para mal).

• Las actuales cintas de "Serie B" son demasiado auto conscientes. Es decir, todos los involucrados en su producción saben qué clase de producto están haciendo y por lo tanto, no lo toman en serio (a los actores ya solo les falta voltear a la cámara y sonreír), a diferencia de estas producciones de antaño en las que hay cierto toque de solemnidad que les sienta muy bien.

• Los efectos especiales, aunque en la mayoría de las ocasiones muy deficientes, se hacían de una manera casi artesanal, construyendo maquetas y miniaturas que ayudaban al espectador a sumergirse en la historia que veía en pantalla.

Pero a pesar de los puntos anteriores, no quiero caer en el  lugar común de que "todo tiempo pasado fue mejor" ni pretendo enmarcar este espacio cinéfilo a cintas hace 50 años o más; la siguiente película en la lista de la que voy a hablar es una que se estrenó en este pandémico 2021 y dentro de la serie de Invasiones Extraterrestres.

Título Original: The Giant Claw

Director: Fred F. Sears 

Año: 1957

Protagonistas: Jeff Morrow, Mara Corday

Reseña: La Amenaza de Otro Mundo.

No están ustedes para saberlo, pero yo sí estoy para contarlo: considero a Alien (Ridley Scott, 1979) como una de las mejores películas de todos los tiempos. Mi amor por esa cinta nació hace casi 40 años debido a que fue de las primeras películas que vi en formato doméstico ya que en aquellos tiempos era impensable que un espectro como yo anduviera de vagabundo por la calle para ir a la sala de cine más cercana, iba a espantar a algún pobre transeúnte que se animara a salir por lo que yo sólo podía andar suelto por ahí a altas horas de la noche. Actualmente las cosas son diferentes, actividades las 24 horas del día, o como diría Tom Cruise en la estimable Entrevista con el Vampiro, "hay más luz en la noche que durante el día" por lo que la aparición del videocassete fue para mi, uno de las más grandes invenciones que forjaron mi afición al llamado Séptimo Arte.

Alien no sólo forjó en mi la afición a las películas en general, sino al Terror y a la Ciencia Ficción en lo particular, lo que me ha convertido en un cazador de las novedades en el género. Pero también en ocasiones, es saludable volver la vista atrás pero comprender los orígenes de nuestras aficiones, por lo que en días pasados le dí un vistazo a:

La Amenaza de Otro Mundo.

Sinopsis: Una misión espacial es enviada a Marte para rescatar a la tripulación de una fallida expedición previa a dicho planeta sólo para encontrarse que con que hay un solo sobreviviente, el coronel Edward Carruthers. Inmediatamente, él se convierte en el único sospechoso de haber asesinado a los otros nueve miembros de su tripulación por lo que es llevado en calidad de preso de vuelta a la Tierra. Lo que los miembros de la misión de rescate desconocen es que un condenado extraterrestre que tiene muchas ganas de conocer nuestro planeta se ha subido a la nave sin pagar boleto y por si fuera poco, comenzará a cenárselos en el trayecto.

Calificación: 10 puntos distribuidos de la siguiente manera:

1 punto por el traje de goma del monstruo que hasta parece que le queda grande a quien lo porta, pero ¿que no es eso justamente lo más atractivo en éste tipo de películas?

1 punto porque, a diferencia de otras cintas de la época, los cadáveres que deja la criatura no son "bonitos". Son en verdad desagradables.

2 puntos por la escena en la que una vez guarnecidos los tripulantes sobrevivientes en los niveles superiores de la nave, escuchan los rugidos de la bestia que se anda paseando por los niveles inferiores mientras se miran unos a otros tratando de entender qué es lo que pasa.

2 puntos por los cortes que muestran la nave surcando la infinita soledad del espacio exterior. Transmite muy bien la idea de que no hay hacia donde correr.

1 punto por la escena en la que un par de tripulante salen al exterior de la nave para tratar de sorprender a la criatura en los niveles inferiores y van caminando (a pesar de que es gravedad cero) de manera vertical pegados al casco de la nave; me recordó la serie de Batman y Robin de los 1960s.

2 puntos por lograr mantener el suspenso durante toda la cinta, creando un ambiente claustrofóbico y al mismo tiempo desarrollar la historia prácticamente en un solo set.

1 punto por el hecho de que esta cinta acrecentó mi admiración por la cinta Alien, de la que en un futuro haré una reseña como se merece.

La película es de 1958 y llama la atención su idea del futuro (la acción transcurre en 1973) con expediciones tripuladas al planeta rojo al alcance de la Ciencia. El único momento negativo me pareció un breve flirteo romántico que luce totalmente fuera de lugar en una cinta de estas características; pero dejando eso de lado, como fanático de Alien, el Terror y la Ciencia Ficción ésta es una película que debe de verse ya que obviamente muchas de sus ideas fueron retomadas para aquella historia, con  una escena en los ductos de ventilación incluida. Imprescindible.

Título Original: It! The Terror From Beyond Space.

Director: Edward L. Cahn.

Año: 1958.

Protagonistas: Marshall Thompson, Shirley Patterson, Kim Spalding.

Reseña: Nunca Me Abandones.

No debería ser extraño que estos tiempos de pandemia nos lleven a pensar cómo sería si lográramos por fin desterrar todos aquellos padecimientos que nos han aquejado siempre. O por lo menos a mi sí me surgen esas interrogantes ya que de haber sido así no sería yo una calaca panteonera desvariando en un blog con complejos de crítico de cine. Pero lamentaciones aparte, ésa es la premisa de esta historia ubicada un mundo distópico (es decir, en una realidad alterna que no es la más deseable) en la que gracias a los avances científicos y tecnológicos se ha logrado una esperanza de vida superior a los cien años y eliminado todo tipo de padecimientos pero a un costo muy alto.

Pero antes de proseguir he de confesar que no me habría fijado en la película objeto de ésta entrada si no hubiese leído antes la extraordinaria novela de Kazuo Ishiguro titulada así mismo Nunca Me Abandones publicada en 2005. Y también confieso que a diferencia de otras adaptaciones cinematográficas, en esta ocasión no he podido dejar de compararla con la novela en la que está basada por una simple y sencilla razón: se trata de una novela hermosa, con una narrativa y un ritmo incomparable a tal grado que ya me encuentro buscando otras obras del mismo autor. Pero, ¿la película se sostiene como una buena adaptación?

Nunca Me Abandones.

Sinopsis: Como decía, se trata de una historia situada en una realidad alterna en la que las enfermedades son inexistentes pero esto a un costo muy alto ya que para ello es necesario recurrir a "donantes" que no son mas que seres humanos creados para que el resto de la población tenga un futuro garantizado. La historia es contada por Kathy H. (Carey Mulligan) quien ya en su vida adulta recuerda desde su niñez en un internado hasta su edad actual al lado de sus inseparables amigos Ruth (Keira Knightley) y Tommy (Andrew Garfield). Ellos, junto con otros cientos de niños van creciendo y desarrollándose consientes de lo que les espera mientras el drama no falta.

Calificación: 5 puntos distribuidos de la siguiente manera:

1 punto por la actuación de Andrew Garfield quien de hecho logra que su personaje transmita lo que su contraparte literaria ya que resulta ser el más vulnerable emocionalmente con cierto toque de ingenuidad.

1 punto por la actuación de Carey Mulligan. Parece que sólo ella y Garfield sí leyeron el libro en que se basa la película.

1 punto por la breve aparición de Sally Hawkins como la Srita. Lucy. Aunque en el libro su personaje tiene más peso, aquí con una breve escena logra transmitir una de los pasajes más emotivos de la historia.

1 punto por la música de Rachel Portman.

Y 1 punto por la fotografía de Adam Kimmel.

Creo que esta adaptación es una gran oportunidad desperdiciada ya que el libro de Ishiguro tiene excelentes reseñas en cualquier portal especializado, y más allá de eso a mi me pareció excelente y toca temas que en la película sólo se llevan de manera más superficial como la soledad, la aceptación de uno mismo, la curiosidad y el despertar de la sexualidad y hasta la redención; además de que me pareció tremendamente nostálgico y en ocasiones, realmente conmovedor.

No se profundiza realmente en muchas de las temáticas que la novela contiene y si no la has leído tal vez no le encuentres mucho sentido a la película. Pongo el siguiente ejemplo: algunas de las escenas con los niños del internado hicieron que se me formara un nudo en la garganta, pero se lo atribuyo más al hecho de que me recordó algunas situaciones de la novela que a la película en sí. Así que en vez de seguir refunfuñando, mejor les recomiendo ampliamente la novela de Kazuo Ishiguro, quien por cierto fungió como productor ejecutivo en esta adaptación (mejor que siga escribiendo).

Título Original: Never Let Me Go.

Director: Mark Romanek

Año: 2010

Protagonistas: Carey Mulligan, Andrew Garfield y Keira Knightley.

Reseña: Los Ultimos Días en el Desierto

Nos encontramos en la época del año en la que, de acuerdo a la tradición católica se conmemora la Pasión, Muerte y Resurrección de Jesucristo y como tal es difícil abstraerse a todo lo que rodea a estas celebraciones litúrgicas y el mundo del Cine no es la excepción: en plataformas digitales las sugerencias las encabezan cintas que van de acuerdo a la temática; y en televisión abierta la cuestión es la misma. Como tal, y para estar a tono con estos días, y por si algún pobre espectro deseoso de salvar su alma inmortal y que sus pecados sean perdonados, me doy a la tarea de analizar una de las muchas aproximaciones que ha tenido la figura del personaje en cuestión. 

Sin dudas, Jesucristo es una de las figuras más representadas a lo largo de la historia del Cine. Desde cintas que han recibido el visto bueno por el Vaticano (La Pasión de Cristo de Mel Gibson) hasta algunas que se han catalogado como profanas (La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese) han sido muchas las que han tenido un acercamiento a su persona y por lo mismo se ha vuelto algo complicado encontrar una película que cuente algo nuevo respecto a Jesús de Nazaret. Creo que precisamente un acercamiento un tanto distinto lo podemos encontrar en...

Los Últimos Días en el Desierto.

Sinopsis: Como su título lo indica estamos ante una elaboración, casi una fábula, de Jesucristo (Ewan McGregor) viviendo los días finales de los 40 que anduvo por el desierto conducido por el Espíritu de Dios para ser tentado por el diablo a la vez que sostenía tremendo ayuno. Es aquí donde es tentado continuamente por Satanás (también interpretado por McGregor) y encuentra a una familia conformada por el padre anciano acostumbrado a la vida en el desierto, la madre casi moribunda quien no quiere que su hijo pase su vida en ese lugar tal como su padre y el hijo adolescente quien desea más que cualquier cosa, poder salir del desierto y de una vida que no ofrece nada para él. Satanás le propone a Jesús que si encuentra una salida satisfactoria para las tres partes dejará de molestarlo durante el resto de su estancia.

Calificación: 8 puntos distribuidos de la siguiente manera:

2 puntos por la extraordinaria fotografía del mexicano Emmanuel Lubezki, tal vez el mejor en su oficio actualmente.

2 puntos por la estupenda música de Danny Bensi y Saunder Jurriaans, perfecto  acompañamiento para los deslumbrantes escenarios que nos ofrece Lubezki.

2 puntos por las profundas conversaciones que sostienen Jesús y su contraparte, en la que hablan de cuestiones tan trascendentes como la vida misma o hasta del carácter de Dios Padre.

1 punto por la actuación de Ewan McGregor, pero como Satanás. Considero que es un actor que no teme correr riesgos a la hora de elegir sus proyectos pero uno no acaba de creerse que es el Nazareno, en cambio como el mismísimo demonio logra una actuación convincente burlándose o demeritando los esfuerzos del Hijo de Dios.

Y 1 punto por mostrar un aspecto diferente de la persona de Jesucristo: por lo general cuando se nos presenta la figura de Jesucristo en el desierto siendo tentado por Satanás pareciera que sólo tiene que decir "No, gracias" y permanece imperturbable. 

En cambio, aquí aparece aquejado por las dudas, temeroso y hasta en ocasiones, reprendiéndose a sí mismo por ser poco empático con aquellos a su alrededor. La cinta nos dice más de su personalidad que otras aproximaciones más publicitadas, como la misma Pasión... de Mel Gibson (con todo y su aval de la Santa Sede).

Los Últimos Días en el Desierto es una cinta íntima en la que lo importante no es tanto la misión redentora de Jesucristo, sino ofrecernos un aspecto pocas veces visto de su persona. Digamos que puede ser un "What if", tan de moda actualmente. 

También puede verse como una historia de padres e hijos, con el anciano padre del adolescente que no logra comunicarse como el quisiera con su hijo o el mismo Jesús que le pregunta a Satanás acerca de su Padre celestial ya que él (Satán) ya ha estado ante su presencia. Lo único que me pareció un poco tramposo es que el dilema planteado en la cinta tiene una salida relativamente fácil, aun así, una cinta que disfruté mucho.

Título Original: Last Days in the Desert

Director: Rodrigo García

Año: 2015

Protagonistas: Ewan McGregor, Ciarán Hinds, Tye Sheridan, Ayelet Zurer.