Reseña: Los Ángeles al Desnudo.

Dentro del mundo del cine Hollywoodense hay una época que considero definitiva: los años 1950s, parte de la Era Dorada de la industria cinematográfica estadounidense y una donde se produjeron algunas de mis cintas favoritas dentro del cine de Ciencia Ficción  de Serie B. Pero esos años dorados eran mucho más que eso: un periodo de glamour en donde las estrellas de cine estaban rodeadas de un halo de cierto misticismo en torno a ellas que las hacían inalcanzables y aun se hacia una esfuerzo por mantener una imagen limpia para el gran público, e incluso lucían sus mejores trapos cuando salían de viaje o simplemente, para dar un paseo bajo los cielos de la soleada California.

Y aunque la irrupción de la televisión de forma un tanto abrupta hasta los hogares de los espectadores significó el principio del fin de la hegemonía cinematográfica, la industria cinematográfica aun preservaba cierto estatus de respeto. Pero muchos de estos ídolos tenían pies de barro y mucho de ese brillo era de oropel. Realmente se trataba de un star-system que en muchas de las ocasiones atraía a miles de jóvenes deseosos de alcanzar fama y dinero cegados por ese mismo brillo, pero que terminaban avejentados y hundidos trabajando en los peores agujeros que pueda imaginarse; mientras que por otro lado, los grandes estudios trataban por todos los medios de silenciar los rumores acerca de la vida privada de los intérpretes ya que su conducta los hacían perder grandes fortunas.

Parte de lado oscuro de la industria durante los años 50s es el que nos muestra el finado director Curtis Hanson en una de sus más celebradas obras:

Los Ángeles al Desnudo.

Sinopsis: Es la Nochebuena y en la estación de Policía de Los Ángeles varios de sus elementos se encuentran festejando cuando son llevados algunos detenidos acusados de atacar y causar lesiones a dos miembros del departamento policíaco. Pronto la voz se corre entre los policías alcoholizados quienes se dirigen a la celdas a buscar justicia por sus compañeros golpeando brutalmente a los detenidos. El suceso afecta la carrera de tres agentes de diferentes maneras: el joven e idealista Ed Exley (Guy Pierce) que testifica en contra de sus compañeros buscando una promoción, el rudo pero honesto Bud White (Russell Crowe) quien junto con su compañero es blanco de las acusaciones de Exley, y el veterano Jack Vincennes (Kevin Spacey) quien, aunque también participa en la golpiza, sólo busca que sus intereses no se vean afectados logrando salir bien librado del escándalo.

Lo anterior lleva a los tres protagonistas a un punto de ruptura hasta que, días más tarde una matanza en una cafetería local, entre cuyas víctimas se encontraba el antiguo compañero de White, y sus posteriores investigaciones los obligará a acercarse a pesar de sus diferencias en un caso que involucrará a mafiosos, empresarios, periodistas, prostitutas, actores y hasta al mismo departamento de policía.

Calificación: 10 puntos repartidos de la siguiente manera:

2 puntos por la conseguida ambientación de la ciudad de Los Ángeles con todo el brillo y el glamour que ostentaba durante aquellos años con una producción tan bien cuidada que llega a convertirse en un personaje más en una producción técnicamente perfecta.

3 puntos por el trío protagonista: Spacey, Crowe y Pierce con actuaciones sobresalientes, interpretando personajes muy humanos con sus virtudes, defectos y conflictos. La relación entre ellos se percibe muy real y hasta cercana. A esto hay que añadir el resto del reparto que es espectacular: James Cromwell, Kim Basinger, Danny DeVito, entre otros.

3 puntos por un guión sólido, sin fisuras y uno de los mejores de los últimos años. Una trama bien estructurada, intrincada y que nunca pierde el rumbo.

1 punto por la soberbia fotografía de Dante Spinotti.

1 punto por la enérgica dirección de Curtis Hanson. La escena del interrogatorio es todo un portento de estilo y narración.

L. A. Confidential (su título original) es uno de esos casos en el que los planetas parecen alinearse y, aunque su director venía de anotarse algunos éxitos comerciales y de crítica (La Mano que Mece la Cuna, El Salvaje Río) la que nos ocupa es sin duda su mejor película cuyo mayor "pecado" tal vez haya sido que se estrenó en el mismo año que Titanic (James Cameron, 1997), una película que se convirtió en un auténtico fenómeno de masas y dirigida a un espectro del público mucho más amplio. 

Sin embargo, y sin demeritar la obra de Cameron, el guión de éste drama policíaco es más acabado y consistente que consigue reducir las 8 líneas argumentales de la novela original de James Ellroy a tan sólo 3 pero muy bien ejecutadas. Una película esencial que tal vez no sería posible que pudiéramos ver en la actualidad: sus protagonistas son tres hombres blancos, está protagonizada por Kevin Spacey (cuya carrera pasa por un profundo bache después de unos señalamientos sin fundamento) y contiene violencia explícita en algunos casos ejercida contra mujeres, negros e hispanos.

Una obra valiente estrenada tan sólo 6 años después de los sucesos ocasionados tras la brutal golpiza de que fue objeto Rodney King y sus posteriores manifestaciones, cuando el Departamento de Policía de Los Ángeles aún luchaba por limpiar su imagen. Una exaltación de la masculinidad, tan necesaria en estos tiempos de corrección política en una película redonda e imprescindible dentro de su género.

Título Original: L. A. Confidential.

Director: Curtis Hanson.

Año: 1997.

Protagonistas: Kevin Spacey, Guy Pierce, Russell, Crowe, James Cromwell, Kim Basinger, Danny DeVito.

Reseña: Raro Thomas.

Dean Koontz es un escritor con quien tengo una "relación" algo particular: me gustan sus novelas sin llegar a ser fan, y pueden pasar años sin que me acerque a su obra. Pero siempre vuelvo. Por ejemplo, hace más de un lustro que leí Innocence (y diez años antes leí Midnight) y desde entonces no me había leído nada de él, hasta hace algunos días que le di una oportunidad a Odd Thomas, una novela que tiene varios de los elementos que me atraen de los libros de Koontz: interesantes puntos de partida, personajes solitarios ya sea por elección o por poseer alguna particularidad que los hace diferentes al resto, historias que transcurren en ciudades pequeñas pero que pueden afectar a todo el mundo.

Tal vez esta relación peculiar que tengo con el autor se deba a que por lo general sus historias, con arranques interesantes tienden a desdibujarse gradualmente conduciendo a conclusiones poco satisfactorias o de plano, ridículas que suelen derribar esas buenas premisas. Koontz, al igual que Stephen King, es un escritor muy prolífico pero a diferencia de él, no es muy leído en Latinoamérica aunque tiene su buena base de fans y, también a diferencia de King, no hay muchas adaptaciones cinematográficas de sus novelas. Odd Thomas es una de esas pocas.

Raro Thomas. 

Sinopsis: En la pequeña ciudad de Pico Mundo vive el joven Odd Thomas (Anton Yelchin) quien trabaja como cocinero en un restaurante de comida rápida. Llamado así presumiblemente por un error de transcripción en su registro de nacimiento (él mismo nos dice que lo más probable es que su nombre originalmente era Todd), "Raro" tiene el extraño don de ver fantasmas que, aunque no pueden hablar se comunican con él por medio de señas o gestos.

Pero eso no es todo. Además puede ver lo que él mismo llama bodachs: unas entidades de forma cambiante como tinta negra pero sin más sustancia que las sombras. Los bodachs suelen aparecer cuando sucesos especialmente violentos están por ocurrir. Mientras se encuentra trabajando, un hombre de apariencia extraña entra al restaurant donde Thomas trabaja rodeado de estas entidades en una cantidad que nuestro protagonista no había visto antes. Thomas lo sigue hasta ubicar su lugar de residencia y espera una oportunidad para escabullirse al interior donde encuentra evidencias de una masacre en masa de proporciones desastrosas planeada para el siguiente día. Thomas cuenta con la confianza y el apoyo del jefe de policía Wyatt Porter y del apoyo moral y emocional de su novia Stormy Llewellyn para impedir el desastre pero tal vez no sea suficiente.

Calificación: 5 puntos repartidos de la siguiente manera:

1 punto por la participación de Willem Dafoe como el jefe de policía Porter. Aunque dista mucho de ser una de sus mejores películas, es de esos actores que siempre es agradable ver.

2 puntos por el clímax en el centro comercial. Una nota alta en una película más bien mediocre.

2 puntos por el final. Aunque ya sabía como terminaba por haber leído el libro, logró emocionarme de manera genuina.

Hace poco leí una reseña del libro de Koontz en que se basa esta película en la que se leía: cuando Koontz es bueno, es muy bueno. Y es que Odd Thomas es una de las mejores novelas del autor y una en la que, a diferencia de lo que señalé líneas arriba, no desmerece el final al grado que me parece la mejor parte. Pero lamentablemente esta adaptación no le hace justicia.

La película es dirigida por Stephen Sommers, quien ganó notoriedad a finales del siglo pasado con su cinta de La Momia (1999) protagonizada por Brendan Frasier y Rachel Weisz,  película en la que podemos ver las características más reconocibles de su cine: entretenimiento simple pero efectivo con uso excesivo de CGI (al menos para mi gusto) y que nos remiten a películas clásicas de aventura y acción, mismas características que creo que no eran las adecuadas para una adaptación de uno de los libros más celebrados de Dean Koontz: por momentos me daba la impresión de que estaba viendo una película hecha para la televisión protagonizada por adolescentes de las que producen los estudios Disney y con una ligereza que no le sienta bien a una historia de estas características.

El diseño de los bodachs nos remite a las criaturas que pueblan otras cintas de Sommers como la desastrosa Van Helsing (2004) y lejos de ser un punto a favor es una oportunidad desperdiciada de crear unos seres más interesantes. La saga literaria de Odd Thomas consta de  8 libros los cuales me gustaría leer en un futuro (aunque sea uno cada lustro) y su primera entrega merecía una mejor adaptación a cargo de un director más apropiado. Anton Yelchin murió trágicamente apenas tres años después del estreno de la película, detalle significativo para quien esto escribe que no había visto la película.

Título Original: Odd Thomas. 

Director: Stephen Sommers.

Año: 2013.

Protagonistas: Anton Yelchin, Willem Dafoe, Addison Timlin.

Reseña: Batman, La Película (1966).

Cuando me propuse escribir de Cine en un Blog había (y hay) algunos temas, géneros y personajes acerca de los cuales siento la compulsión de escribir ya sea por afinidad, identificación, catarsis o mero pasatiempo. Uno de dichos personajes es Batman...

Comentaba en la entrada correspondiente a la Liga de la Justicia de Zack Snyder en este mismo Blog, que mi afición por El Caballero de la Noche data ya de hace varios años. Pero la primera ocasión en que supe de la existencia del personaje fue gracias al antiguo serial de los años 60's que protagonizaba el ya fallecido Adam West. Recuerdo que me llamaba mucho la atención el concepto del personaje: un "hombre-murciélago" que adoptaba el símbolo de una criatura nocturna y que en realidad era un multimillonario viviendo en una mansión.

Pero aunque la serie era ridícula y demasiado colorida, de ahí surgió mi interés por el personaje en el cual después profundicé vía los comics que de hecho es la fuente primaria; y mi afición aumentó aún más ya que en ese medio es donde realmente se muestran algunos aspectos que en lo particular me atraen: la soledad, la obsesión, la oscuridad, la vasta cultura que posee Batman o el hecho de llevar una vida secreta en medio de las sombras ya sea en forma literal o figurada.

Naturalmente como cinéfilo tampoco he sido ajeno a las diversas encarnaciones que Batman ha tenido en la gran pantalla y siendo este espacio cibernético mi válvula de escape en lo que al séptimo arte respecta, con esta entrada doy por inaugurada una nueva sección dedicada a las películas de El Hombre Murciélago y como tal hay que empezar desde el principio.

Batman: La Película.

Sinopsis: Batman y Robin (el dúo dinámico) se dirigen a rescatar en el baticóptero

al Comodoro Schmidlapp quien está a bordo de un yate. Al aproximarse descendiendo por una escalera el yate desaparece. Después de un incidente con un tiburón, los héroes se dirigen a la oficina del comisionado Gordon donde deducen que los villanos más infames de Ciudad Gótica: El Acertijo, Gatúbela, El Pingüino y El Guasón han unido fuerzas y planean utilizar un deshidratador creado por Schmidlapp que amenazan con utilizar en los miembros más prominentes del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas, pero antes pretenden borrar del mapa a nuestros héroes.

Calificación: 9 puntos repartidos de la siguiente manera:

1 punto por el repelente de tiburones. Tan absurdamente genial que incluso se hace mención de ello en la película de Batman Lego.

1 punto porque los héroes atendían conferencias de prensa donde respondían con afabilidad a las preguntas que les formulaban e incluso llamaban a cada reportero ahí presente por su nombre.

1 punto por la manera en que el Dúo Dinámico, el Comisionado y el Jefe de Policía O'Hara llegan a la conclusión que los villanos se encuentran trabajando juntos.

1 punto por la manera en que los héroes logran descifrar los acertijos: hacen gala de un poder de deducción excepcional que los lleva a relacionar términos que poco o nada tienen que ver con las preguntas que se les plantean. 

2 puntos por la actuación de Adam West; el actor realmente amaba a su personaje al grado de considerar a su encarnación como la versión definitiva de Batman. Se dice que hablaba lento de forma deliberada para que la cámara lo enfocara más tiempo.

2 puntos por la acción sin descanso a lo largo de toda la película: desde la ya referida escena con el tiburón pasando por el problema con la bomba o la pelea en la cubierta del submarino, prácticamente no hay descanso para el espectador ávido de acción y aventura.

1 punto porque el bigote de Cesar Romero era evidente con todo y su maquillaje de Guasón. Aspectos como ese eran muy a tono con el tipo de película de que se trataba.

Batman y Robin viene siendo una extensión directa de la serie de 1966 y como tal era totalmente camp: lo exagerado, lo ostentoso, lo irónico y en ocasiones, lo frívolo como medio de expresión en pos del entretenimiento (Gatúbela y sus purrrfect). Una vez que lo asumimos y conocemos las reglas del juego puede ser altamente disfrutable y quizá eso sea el único punto negativo que puede haber: la falta de disposición por parte del espectador ante un producto que marcó una época.

Título Original: Batman. 

Director: Leslie H. Martinson.

Año: 1966

Protagonistas: Adam West, Burt Ward, Lee Meriwether, Cesar Romero, Burgess Meredith, Alan Napier, Frank  Gorshin.

Reseña: Spaceballs.

Como se ha puesto de manifiesto en muchos medios, el pasado 4 de mayo se celebró el Día de Star Wars, definido así por el juego de palabras en inglés: May the fourth (4 de mayo) con May the force be with you ("Que la Fuerza te acompañe", el mantra que pronuncian algunos de los personajes dentro de la mitología de la saga). Pero incluso se podría considerar dentro de la cultura geek al mes de mayo como el mes de Star Wars ya que todas las películas de la saga se habían estrenado durante ese mes, antes de que George Lucas (quien también celebra su cumpleaños en mayo) cometiera el error de vender la marca a la todopoderosa compañía Walt Disney.

Pero si algo ha hecho Disney ha sido comercializar la marca (aún más que Lucas) hasta la saciedad. Tanto así que a lo largo de los próximos años tendremos un sinnúmero de estrenos relacionados con la saga entre series de acción real, de animación, cortos, etc. Así que si usted al igual que yo desea alejarse un tanto de toda la parafernalia del universo Star Wars pero no quiere permanecer ajeno a las celebraciones de estas fechas, le sugiero dar un ojo a la parodia que realizó el genial director y guionista Mel Brooks: Spaceballs y que para variar fue mutilada en México con el aberrante título de S. O. S. Hay un loco en el espacio (¡puaj!)

Spaceballs.

Sinopsis: El planeta Spaceball ha derrochado todo su oxígeno por lo que su presidente Skroob planea obligar al rey Roland del vecino planeta Druidia a que le de el código del escudo que protege a su planeta permitiéndole así robarle todo su aire. Para lograrlo, los Spaceballs comandado por el malvado Dark Helmet raptan a la hija de Roland, la princesa Vespa el día de su boda. Roland recurre al mercenario Lone Starr y a su compañero Barf para que rescaten a Vespa a cambio de una cuantiosa recompensa. Dicha recompensa es lo que necesita Lone Starr para pagar la deuda que debe al gangster Pizza the Hutt. Pero en el trayecto el mercenario descubrirá aspectos de sí mismo que ignora.

Calificación: 9 puntos repartidos de la siguiente manera:

2 puntos por el guion de Mel Brooks, en apariencia simple pero cargado de gags (unos más afortunados que otros, todo hay que decirlo) en todo momento y acordes al tono de la cinta.

1 punto por la actuación de Rick Moranis como Dark Helmet. Moranis es un actor con una veta cómica enorme pero casi siempre interpretando a tipos apocados, por lo que aquí es más meritoria su interpretación de "el hombre más malvado de la galaxia".

1 punto por la actuación de George Wyner como el coronel Sandurz, perfecto complemento de Moranis.

1 punto por la escena en la que los protagonistas buscan el videocasete de "Sapaceballs" para encontrar a la princesa Vespa, e incluso la cinta incluye la advertencia del FBI para asegurarse que la película sea original.

1 punto porque la princesa Vespa de Daphne Zuniga  me gusta más que todas las princesas y reinas de Star Wars (incluyendo a Natalie Portman).

1 punto por el cameo de John Hurt recreando una memorable escena de Alien.

2 puntos por la forma en que la cinta se mofa el excesivo comercialismo  no únicamente de Star Wars (en Spaceballs tenemos las cobijas, platos, papel de baño, tazas y hasta lanzallamas que se anuncian dentro de la película), sino de las películas de los grandes estudios hollywoodenses; con todo y que la cinta es de 1987 cuando La Guerra de las Galaxias estaba "muerta" o por lo menos en un olvido temporal.

Actualmente es difícil encontrar películas que sean críticas con el mismo sistema que las produce y con frases tan puntuales como: "sólo soy el presidente, no sé tomar decisiones" y tal vez el único detalle que desmerece sea que algunos de las escenas cómicas se extienden demasiado matando el momentum pero así era el cine de Mel Brooks, un estilo muy marcado que marcó época y era muy apreciado por su público.

Y así como marcó época, Spaceballs también pertenece a una muy productiva no solo para el cine, sino para la cultura popular en general: los años 1980s (así como también los fueron los 1970s). Baste decir que actualmente tenemos secuelas, precuelas, Spin offs y demás productos en desarrollo de películas surgidas durante esa época. Difícil ver películas así actualmente, difícil ver una escena como la "mega doncella" en tiempos políticamente correctos.

Título Original: Spaceballs. 

Director: Mel Brooks

Año: 1987

Protagonistas: Bill Pullman, John Candy, Rick Moranis, Daphne Zuniga.

Reseña: The Wicker Man.

Nota: en esta ocasión el huesudo que escribe en este blog ha optado por conservar el título de la película en inglés ya que al parecer así se estrenó en su tiempo en las salas de México.

Hace unos días fue 1o. de Mayo, fecha de gran significado en las antiguas tradiciones de origen celta ya que era la festividad de Beltaine o Buen Fuego; el día que que marca el paso del invierno al verano, es decir justo cuando el sol está a punto de mostrar su mayor fuerza y la luz comienza a dominar sobre la oscuridad. Como fiesta que para los celtas era de fertilidad y de liberación sexual, estaba dedicada también a la unión entre parejas ya que es en este periodo del año en que todo florece y se honra a la feminidad y su fertilidad. Es decir, hay una fuerte carga sexual representada con el Rey y la Reina de Mayo que se elegían en el marco de estas festividades.

Los aldeanos bailaban alrededor del Palo de Mayo sosteniendo los extremos de los listones que pendían de la parte superior, entonces iban bailando y entretejiendo las cintas hasta que el palo quedaba cubierto de colores brillantes y que era un evidente símbolo fálico. Posteriormente, con la expansión del cristianismo en Europa se dio el inevitable sincretismo religioso adaptando dichas festividades y eliminando todo vestigio de connotación sexual y quedando como lo que ahora conocemos como el Día de la Santa Cruz.

Pero es inevitable que vestigios de esas festividades paganas sobrevivan hasta nuestros días, y la cultura popular ha reflejado algunas características de esas antiguas tradiciones como la película que vi hace unos días como una forma particular de recordar el Beltaine...

The Wicker Man.

Sinopsis: El sargento de policía Neil Howie se dirige a la isla de Summerisle para investigar la desaparición de una joven cuyo caso le es notificado por medio de una carta anónima. Howie es además una persona profundamente devota, por lo que una vez en la isla se escandaliza por las costumbres de sus habitantes quienes al parecer rinden tributo a antiguas deidades paganas cuyos ritos son enseñados a los niños en las escuelas. Además de ello, el sargento se encuentra con que los lugareños parecen distantes y poco cooperativos con la desaparición de la niña y pronto se da cuenta que algo muy perturbador está pasando en ese lugar.

Calificación: 10 puntos distribuidos de la siguiente manera:

2 puntos por la actuación de Edward Woodward como el sargento Howie. Sus reacciones ante las costumbres de los isleños son lo que dan solidez a la historia y el espectador se identifica de manera inmediata con él y si no fuera convincente no funcionaría.

2 puntos por la presencia del legendario Christopher Lee, el patriarca y máxima autoridad de la isla. Lee se especializó en interpretar villanos durante su larga carrea cinematográfica y el de esta película es uno de los más  memorables, lo que ya es mucho decir.

1 punto por las canciones y la música que en The Wicker Man juegan un papel preponderante; de hecho se podría afirmar que la película se acerca en momentos al género de musical. Los musicales, junto con las comedias románticas son géneros que procuro evitar a toda costa; pero aquí las canciones (cargadas de elementos sexuales) contribuyen al tono siniestro del conjunto de manera significativa.

2 puntos por la sensación de que "hay algo terriblemente mal" que percibe el sargento desde el mismo instante en que llega a la isla. El Hombre de Mimbre no es una cinta que recurre a los "jump scares" como elemento de susto fácil, pero hay una tensión y suspenso que a lo largo de la historia se va acrecentando: parejas copulando en los jardines, danzas en la hoguera de jóvenes desnudas, símbolos fálicos como tema de estudio en las escuelas... ¿qué es este lugar?

1 punto por Britt Ekland como la desinhibida hija del posadero y su tentador baile... ¡sublime!

1 punto por la explicación de las festividades de Mayo que el sargento encuentra en la biblioteca como preámbulo de lo que está por suceder.

1 punto por el final, de los mejores en la historia del cine.

The Wicker Man es una película que envuelve al espectador desde que inicia con la imagen de Nuada, el dios sol (extrañamente inquietante) y otros elementos perturbadores como la forma de curar un dolor de garganta o el hecho de que en algún momento los habitantes de Summerisle porten máscaras con forma de cabezas de animales silvestres la han convertido en una película de culto. La única nota que encontré disonante en todo el conjunto fue el hecho de que el protagonista se pusiera a buscar a la probable víctima casa por casa, pero en un subsiguiente visionado se entiende que ya no se encontraba en sus cabales en ése momento de la historia. Extraordinaria película y de mis preferidas de todos los tiempos que al día de hoy no ha sido siquiera igualada, si no que le pregunten a Nicolas Cage y su lamentable versión de 2006. 

"Come. It is time to keep your appointment with the Wicker Man."

Título Original: The Wicker Man. 

Director: Robin Hardy

Año: 1973

Protagonistas: Edward Woodward, Christopher Lee, Ingrid Pitt, Britt Ekland.

Invasiones Extraterrestres IV. La Liga de la Justicia de Zack Snyder.

Extraños tiempos de pandemia los que estamos viviendo sin duda, y el mundo del Cine no puede permanecer ajeno a ellos. Baste decir que ahora estamos viendo sucesos y situaciones que en algún otro momento serían impensables, como por ejemplo el estreno en plataforma digital de La Liga de la Justicia de Zack Snyder, también conocida como Snyder Cut... 

La historia es por muchos conocida: después del éxito comercial de El Hombre de Acero (2013) y Batman V Superman (2016), Snyder se encontraba trabajando en la siguiente película del así llamado Universo Cinematográfico de DC (o DCverse): La Liga de la Justicia, cuando la tragedia golpeó al director en forma del suicidio de su hija Autumn de 20 años, por lo que se vio obligado a dejar de trabajar en la producción y estar al lado de su familia. El encargado de terminar la cinta fue Joss Whedon quien no era ajeno al cine de superhéroes debido a que ya había trabajado en Avengers (2012) de Marvel, la competencia de DC.

Pero el estilo de Whedon resultó muy distinto a lo que estaban acostumbrados los fans de Snyder y del DCverse, mucho más ligero y comedido que se contraponía a la oscuridad y al tono más serio que Zack Snyder imprime a sus producciones. Inmediatamente después del estreno de La Liga de la Justicia (2017) las redes se vieron plagadas con la petición #ReleaseTheSnyderCut haciendo referencia a la versión que de la película había estado rodando el mismo Snyder y que, según se dice, los estudio Warner no estuvieron de acuerdo en exhibir en su momento por tratarse de una cinta muy ambiciosa (4 horas de duración), oscura y violenta.

Pero como señalé líneas más arriba, estamos viviendo tiempos extraños y la actual pandemia fue la situación ideal que permitió que este Snyder Cut llegara a las pantallas caseras, pero... ¿el mundo necesitaba esta cinta?

La Liga de la Justicia, de Zack Snyder

Sinopsis: Momento después de los sucesos de la anterior cinta, Batman V Superman y una vez que El Ultimo Hijo de Kriptón está fuera de su camino, el poderoso extraterrestre Darkseid envía a Steppenwolf con el fin de recuperar las Cajas Madre las cuales se activan con el último grito de Superman y que el mismo Darkseid había perdido desde tiempos ancestrales en nuestro planeta y que le permitirán controlar todo el Universo. Ante la inminente invasión, Batman se da a la tarea de juntar a un equipo de metahumanos pero Steppenwolf resulta ser demasiado poderoso, por lo que los héroes buscarán traer de regreso a Superman aunque tal vez sea demasiado tarde.

Calificación: 7 puntos distribuidos de la siguiente manera:

1 punto por la escena inicial de la Mujer Maravilla frustrando un atentado en un museo. Aunque finalmente poco afecta a la trama, es una gran secuencia cargada de emoción y buen ritmo.

2 puntos por la participación de Jeremy Irons, un enorme actor que una vez más muestra su gran oficio y que sólo resta desear una película de Batman en solitario con su presencia.

1 punto por Henry Cavill como Superman. Aunque lejos aún de la mítica figura de Christopher Reeve, se le va más cómodo con su personaje (cosa que no me había parecido en las anteriores películas del DCverse).

1 punto por la participación de Amy Adams, una de las actrices más interesantes de la actualidad y poseedora de un enorme carisma.

1 punto porque se logra un buen equilibrio entre los personajes principales, teniendo todos un momento de lucimiento y espacio para desarrollarse.

1 punto porque el estudio optó, aunque sea por una vez, por satisfacer las peticiones de sus fans con una película que es la visión de su director. Una visión que no busca agradar al espectador de ocasión sino a los fans de este Universo. 

La Liga de la Justicia de Zack Snyder es más bien una cinta irregular en sus 4 horas de duración que no corrige algunas de las fallas de la versión de la versión de 2017 como el hecho de que las Amazonas resguardan una de las cajas madre únicamente con arcos, flechas y su fuerza física sabiendo quién es Darkseid y lo que es capaz de hacer o que Bruce Wayne, uno de los personajes más prominentes del planeta (en la realidad vendría a ser algo así como Elon Musk) se dedique a reclutar aliados exponiéndose de esa manera y sin recurrir a su identidad de Batman. Pero hay tres rubros en particular en los que creo es conveniente analizar a detalle:

1. Zack Snyder.

El director ganó notoriedad por Dawn of the Dead, versión actualizada del clásico de George A. Romero, pero fue 300 la cinta que lo dio a conocer de forma masiva y en que desarrolló un estilo visual muy característico. Pero lo que funcionó tan bien en 300 es lo que ha lastrado su cine; por ejemplo en Watchmen ése mismo estilo se vuelve cansino acercándose más a la estética de videoclip y olvidándose que debe ponerse al servicio de la historia que está contando, por no mencionar que desvirtúa por completo el discurso de la estupenda novela gráfica de Alan Moore en la que se basa. Creo que Snyder tiene una gran estética visual pero que no es la mejor para contar historias, abusando de la paleta monocromática y recargándose en exceso en el uso de la cámara l-e-n-t-a. Tan es así que La Liga... tarda casi una hora en finalmente arrancar. Pero también debo añadir que después de esa primera hora la película comienza a ir hacia arriba ganando considerablemente. Para mí, en un inicio era difícil entender cómo es que los estudios Warner y DC confiaron tan ciegamente en Snyder como para ceder el control de un plan tan ambicioso pero creo que ahora se ha ganado a los fans.

2. Batman.

De todos los personajes de esta película Batman es el único de quien soy fan realmente; desde los cómics que he coleccionado por años, videojuegos y películas. Así que no puedo evitar comparar cada nueva versión que aparece en el cine con el personaje que he leído y "conozco"; y con esta película no ha sido la excepción: para mi, Ben Affleck no es Batman. Es un tipo enojado y con mucho dinero, pero el Hombre Murciélago es más que eso. Batman debe ser más inteligente, calculador y meticuloso. 

Mas aún, creo que en esta película su personaje sale sobrando. No por el hecho de que no tiene súper poderes, sino que el tono épico que pretende darle Snyder a su historia (con una secuencia que recuerda a El Señor de los Anillos incluida) dista mucho de lo que comúnmente se asocia al personaje de Batman. Pero tal vez la peor parte respecto a su personaje es lo que no vemos en pantalla: Robin fue asesinado por el Joker y Batman no pudo salvarlo, y la mansión Wayne está en ruinas. Esas historias me gustaría verlas en una película. Pero esas mismas fallas ya se habían presentado en Batman V Superman lo que nos lleva al tercer y último apartado.

3. El Universo Cinematográfico DC.

Efectivamente, muchas de las fallas de esta cinta son de origen. O sea, desde la misma concepción de este Universo Cinematográfico ya que comenzaron a construir la casa por el tejado. Es decir, antes de establecer propiamente a los personajes, estos ya estaban compartiendo pantalla tal y como sucedió en Batman V Superman; y lo mismo vuelve a suceder aquí sin darnos apenas tiempo de digerir a los caracteres y sus motivaciones. De los 6 principales, solo dos tenían su película en solitario (Acuaman se estrenó después de la Liga... de Whedon). La historia de Cyborg me pareció medianamente interesante y le da mucho sentido a su participación. Por otro lado, creo que Flash merece su cinta aparte. De hecho, por eso mismo funciona mejor el personaje de Wonder Woman: porque no tenemos que repasar toda la historia de las Amazonas y el porqué viven en una isla (aunque ¿era realmente necesario escuchar el tema de Wonder Woman cada vez que ella hace algo?).

Y así podría seguir, pero como pregunté anteriormente: ¿el mundo necesitaba esta cinta? Si se es fan de Snyder y de este Universo la respuesta es sí. La cinta mejora considerablemente en relación a la versión de Whedon, cosa que tampoco era muy difícil de conseguir. Pero si, por otro lado, tan solo fue la manera de Warner Bros. de resarcirse con los fans (y sacar más dinero) a sabiendas de que ya no se le dará continuidad a esta cinta ni al  plan original de Snyder, entonces no le veo mucho sentido. A menos que la nueva petición (#RestoretheSnyderverse) prospere y tal vez veamos el propósito de esa serie de epílogos que por lo pronto sólo contribuyen a dar una sensación de dispersión a la historia, particularmente las visiones de Batman. En fin que creo que Snyder es un director valiente pero a veces pienso que debería ser más concreto y dejarse de tanto vericueto al momento de contar sus historias. La película es buena, pero podría haber sido mejor. 

Título Original: Zack Snyder's Justice League. 

Director: Zack Snyder (Obviamente)

Año: 2021

Protagonistas: Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Gal Gadot, Ray Fisher, Jason Momoa, Ezra Miller, Jeremy Irons.

Invasiones Extraterrestres III. La Garra Gigante.

Después de mucho meditar, el espectrillo con ínfulas de crítico cinematográfico que en este espacio cibernético se manifiesta vuelve a la carga para recetarnos la siguiente entrega de sus cavilaciones acerca de las películas que tratan cuestiones relativas a las invasiones de otros mundos...

¡Almas perdidas! Debemos tener cuidado ya que las amenazas siderales pueden presentarse en diferentes formas y es fácil caer en errores de concepción popular. Dígalo si no el ejemplo que voy a poner con la película cuya revisión toca en esta entrada: si nos remontamos a la gloriosa época de los 1950s y hacemos mención de la palabra "extraterrestre", los parroquianos de aquellos entonces inmediatamente la asociarán con la clásica imagen de la criatura humanoide color verde de enorme cabeza y grandes ojos que ocupan la mitad de la misma. 

Otra imagen que también se popularizó en ese tiempo fue la del alienígena de aspecto robótico y de extremidades más bien rígidas que además lanzaba temibles rayos desintegradores, tal y como aparecen en La Tierra Contra Los Platillos Voladores de 1956. Pero en esta ocasión la amenaza tiene un aspecto distinto, casi prehistórico...

La Garra Gigante.

Sinopsis: Durante unas pruebas de radar del ejército Norteamericano el ingeniero Mitch MacAfee, encargado de las mismas, detecta un Objeto Volador No Identificado (OVNI pues) la Fuerza Aérea envía tres jets a investigar el avistamiento. No solo no encuentran prueba alguna, sino que además una de las aeronaves se ha perdido. Como los del ejército creen que el inge les está tomando el pelo, lo mandan de vuelta a su casa en avión junto con su asistente la matemática Sally Caldwell. Ahí son atacados por una fuerza misteriosa que ocasiona un aterrizaje forzoso llevándolos a una granja.

A raíz de estos sucesos, el ejército reconsidera su postura respecto al inge y juntos deberán colaborar para localizar y enfrentar una amenaza aérea que parece invencible y que, después de mucho investigar, llegan a la conclusión que no es de éste mundo.

Calificación: 9 puntos distribuidos de la siguiente manera:

1 punto por la escena en la que MacAfee y Sally Caldwell se encuentran comentando la situación a bordo de un vuelo y sin venir a cuento, él le planta tremendo beso, cosa que ella acepta de muy buena gana sin haber relación sentimental previa de por medio. Actualmente no se podría rodar una escena así sin atenerse a la furia de los colectivos feministas, pero en los  años 50s no había tanta agenda política de por medio.

2 puntos por el "aterrador" diseño del bicho extraterrestre: tal vez risible pero una apuesta diferente a la mayoría de los extraterrestres cinematográficos de la época.

2 puntos porque los encargados de la producción, y con la finalidad de que el bicho luciera más grande y atemorizador, se dieron a la tarea de reconstruir varios edificios emblemáticos de la ciudad de Nueva York a escala, como el Empire State o la sede de las Naciones Unidas.

1 puntos porque en relación al punto anterior, uno de los militares que persigue al bicho exclama "se dirige al edificio de las Naciones Unidas" como si la criatura lo hiciera deliberadamente.

1 punto por ese momento en que la criatura se posa sobre el icónico Empire State:

2 puntos por el "agarrón" final entre el bicho y la Fuerza Aérea, de hecho me parece que una de las escenas de la catástrofe es la misma de la ya mencionada La Tierra Contra Los Platillos Voladores que fue estrenada un año antes que esta (de hecho, ambas fueron dirigidas por Fred F. Sears).

Actualmente es difícil encontrar éste tipo de cintas con tanto desparpajo y a la vez con un sentido del drama que las redime frente al espectador, además de otros punto a saber:

• Como señalé más arriba, eran otras épocas en las que los temas de agenda ni siquiera de hacían presentes (para bien o para mal).

• Las actuales cintas de "Serie B" son demasiado auto conscientes. Es decir, todos los involucrados en su producción saben qué clase de producto están haciendo y por lo tanto, no lo toman en serio (a los actores ya solo les falta voltear a la cámara y sonreír), a diferencia de estas producciones de antaño en las que hay cierto toque de solemnidad que les sienta muy bien.

• Los efectos especiales, aunque en la mayoría de las ocasiones muy deficientes, se hacían de una manera casi artesanal, construyendo maquetas y miniaturas que ayudaban al espectador a sumergirse en la historia que veía en pantalla.

Pero a pesar de los puntos anteriores, no quiero caer en el  lugar común de que "todo tiempo pasado fue mejor" ni pretendo enmarcar este espacio cinéfilo a cintas hace 50 años o más; la siguiente película en la lista de la que voy a hablar es una que se estrenó en este pandémico 2021 y dentro de la serie de Invasiones Extraterrestres.

Título Original: The Giant Claw

Director: Fred F. Sears 

Año: 1957

Protagonistas: Jeff Morrow, Mara Corday